BPI_CATEGORY_357

Médias

Géographie

BPI_CATEGORY_36

BPI_CATEGORY_54

Sports, loisirs et tourisme

Économie

Sociologie

BPI_CATEGORY_105

BPI_CATEGORY_177

BPI_CATEGORY_42

BPI_CATEGORY_93

BPI_CATEGORY_225

BPI_CATEGORY_285

BPI_CATEGORY_312

BPI_CATEGORY_363

BPI_CATEGORY_75

BPI_CATEGORY_240

BPI_CATEGORY_234

BPI_CATEGORY_276

BPI_CATEGORY_318

BPI_CATEGORY_216

Sciences de l'ingénieur

BPI_CATEGORY_228

Sciences

Livre, lecture et bibliothèques

Éducation

BPI_CATEGORY_153

BPI_CATEGORY_33

BPI_CATEGORY_156

Agriculture

BPI_CATEGORY_369

BPI_CATEGORY_150

Médecine

BPI_CATEGORY_51

BPI_CATEGORY_60

BPI_CATEGORY_99

BPI_CATEGORY_111

BPI_CATEGORY_123

BPI_CATEGORY_171

BPI_CATEGORY_186

BPI_CATEGORY_267

BPI_CATEGORY_342

BPI_CATEGORY_222

BPI_CATEGORY_219

BPI_CATEGORY_288

BPI_CATEGORY_294

BPI_CATEGORY_351

BPI_CATEGORY_366

BPI_CATEGORY_132

BPI_CATEGORY_339

BPI_CATEGORY_120

BPI_CATEGORY_255

BPI_CATEGORY_327

BPI_CATEGORY_354

BPI_CATEGORY_162

Langues et littératures

Histoire

BPI_CATEGORY_78

BPI_CATEGORY_306

BPI_CATEGORY_48

BPI_CATEGORY_300

BPI_CATEGORY_258

BPI_CATEGORY_360

BPI_CATEGORY_21

BPI_CATEGORY_72

BPI_CATEGORY_84

BPI_CATEGORY_102

BPI_CATEGORY_330

BPI_CATEGORY_246

BPI_CATEGORY_249

BPI_CATEGORY_321

BPI_CATEGORY_336

Religions

BPI_CATEGORY_24

BPI_CATEGORY_114

BPI_CATEGORY_279

BPI_CATEGORY_237

BPI_CATEGORY_264

BPI_CATEGORY_270

BPI_CATEGORY_96

Anthropologie et ethnologie

BPI_CATEGORY_126

BPI_CATEGORY_297

BPI_CATEGORY_282

BPI_CATEGORY_30

BPI_CATEGORY_273

Politique

BPI_CATEGORY_324

BPI_CATEGORY_6

BPI_CATEGORY_129

BPI_CATEGORY_168

BPI_CATEGORY_135

BPI_CATEGORY_183

BPI_CATEGORY_348

BPI_CATEGORY_201

BPI_CATEGORY_210

BPI_CATEGORY_252

BPI_CATEGORY_261

BPI_CATEGORY_333

Informatique

Psychologie et psychanalyse

Philosophie

Droit

Arts

BP_GENRE_3

BP_GENRE_9

BP_GENRE_42

BP_GENRE_75

BP_GENRE_36

BP_GENRE_54

BP_GENRE_80

BP_GENRE_33

BP_GENRE_51

BP_GENRE_60

BP_GENRE_21

BP_GENRE_24

BP_GENRE_27

BP_GENRE_39

BP_GENRE_48

BP_GENRE_72

BP_GENRE_78

BP_GENRE_45

BP_GENRE_6

BP_GENRE_30

BP_GENRE_57

BP_GENRE_12

BP_GENRE_15

BP_GENRE_18

BP_GENRE_63

BP_GENRE_69

BP_GENRE_66

BP_YOUTH_3

BP_YOUTH_9

BP_YOUTH_6

BP_YOUTH_12

Paul Kermadec a &eacute;t&eacute; abandonn&eacute; par son p&egrave;re &agrave; quatre ans. C&rsquo;est donc un moteur de recherche qui a r&eacute;pondu &agrave; ses interrogations d&rsquo;adolescent. D&eacute;sormais jeune adulte, Paul se tourne vers une intelligence artificielle pour construire un simulacre de relation paternelle. De cette exp&eacute;rience, il tire un desktop movie de onze minutes, qui &eacute;voque notre relation intime &agrave; Internet et ce que l&rsquo;on fantasme des liens familiaux.
Qu&rsquo;est-ce qu&rsquo;un p&egrave;re&nbsp;? Un mod&egrave;le masculin, pour Paul Kermadec&nbsp;: celui qui apprend &agrave; son fils &agrave; bricoler ou se raser. Adolescent, le cin&eacute;aste substitue &agrave; cette figure absente des tutoriels glan&eacute;s sur les plateformes vid&eacute;o, et une bande de copains affich&eacute;e sur les r&eacute;seaux sociaux. Un p&egrave;re t&eacute;moigne aussi de l&rsquo;affection. L&rsquo;intelligence artificielle prend alors le relais. Apr&egrave;s lui avoir adress&eacute; le prompt ad&eacute;quat, Paul peut lui raconter sa journ&eacute;e, et attendre une r&eacute;ponse attendrie ou une relance curieuse. C&rsquo;est, enfin, une personne avec qui partager des exp&eacute;riences et des souvenirs. Le r&eacute;cit d&eacute;crit d&egrave;s lors la construction d&rsquo;une relation virtuelle, fond&eacute;e sur un pass&eacute; imaginaire et des photographies en images de synth&egrave;se.
Ni Dieu ni P&egrave;re &eacute;voque ainsi le substitut relationnel qu&rsquo;est devenu Internet pour la moiti&eacute; de la population mondiale. Entre communaut&eacute;s et solitude, on s&rsquo;y affiche, on y cherche des informations et on y discute de ce dont on ne peut pas parler ailleurs. Dans ce desktop movie, un film qui se raconte enti&egrave;rement &agrave; travers l&rsquo;&eacute;cran d&rsquo;un ordinateur, le r&eacute;cit adopte d&rsquo;ailleurs le rythme soutenu d&rsquo;une conversation &agrave; b&acirc;tons rompus entre le narrateur et la machine. Pour se sentir exister dans ce miroir aux alouettes informatique, Paul nourrit l&rsquo;algorithme de ses donn&eacute;es personnelles et le mod&egrave;le &agrave; son image.
La relation que le cin&eacute;aste construit devient ainsi le fantasme d&rsquo;un lien familial id&eacute;alis&eacute;. Les traits et les fonctions qu&rsquo;il pr&ecirc;te &agrave; son p&egrave;re refl&egrave;tent certains attributs qu&rsquo;une soci&eacute;t&eacute; h&eacute;t&eacute;ro-patriarcale r&eacute;serve aux hommes. Ils racontent aussi un manque qui d&eacute;borde l&rsquo;absence&nbsp;: les rapports francs et affectueux que Paul Kermadec imagine sont ceux que de nombreux enfants voudraient nouer avec leur p&egrave;re, m&ecirc;me pr&eacute;sent. C&rsquo;est bien ce qu&rsquo;affirme Ni Dieu ni P&egrave;re&nbsp;: cette figure id&eacute;ale n&rsquo;existe pas. Pourtant, la v&eacute;ritable absente du r&eacute;cit est finalement la m&egrave;re, effac&eacute;e du sch&eacute;ma familial au profit d&rsquo;un d&eacute;serteur.
Ce premier film, r&eacute;alis&eacute; alors que Paul Kermadec est &eacute;tudiant &agrave; l&rsquo;&Eacute;cole nationale sup&eacute;rieure d&rsquo;art de Paris Cergy, a &eacute;t&eacute; nomm&eacute; aux C&eacute;sar du meilleur court m&eacute;trage documentaire en 2026.

Ni Dieu ni Père

En 2016, le film Un village de Calabre (Un paese di Calabria) racontait la renaissance de Riace, un village calabrais d&rsquo;abord vid&eacute; par l'exode rural et repeupl&eacute; gr&acirc;ce &agrave; l'accueil de r&eacute;fugi&eacute;&middot;es kurdes &eacute;chou&eacute;&middot;es sur ses c&ocirc;tes. Sept ans apr&egrave;s, les deux cin&eacute;astes reviennent pour filmer le revers&nbsp;: Un village en r&eacute;sistance (Un paese di resistenza) raconte l'acharnement judiciaire qui a vis&eacute; Domenico Lucano, maire de Riace pendant quatorze ans, d&eacute;sormais poursuivi pour sa politique d'accueil des personnes exil&eacute;es.
Dans les ruelles &eacute;troites de Riace, Daniel, r&eacute;fugi&eacute; originaire du Ghana, faisait la collecte des ordures &agrave; dos d'&acirc;ne. Cette t&acirc;che, encore pr&eacute;c&eacute;demment aux mains de la 'Ndrangheta, organisation mafieuse de Calabre, est d&eacute;sormais organis&eacute;e par la coop&eacute;rative locale L&rsquo;Aquilone. Cela situe les transformations profondes de cette commune sur les trente derni&egrave;res ann&eacute;es. Depuis l'&eacute;chouage en 1998 d'une embarcation transportant des r&eacute;fugi&eacute;.es kurdes, le petit village de deux mille habitant.es de Riace avait fait de l'accueil des exil&eacute;&middot;es une politique de revitalisation &agrave; part enti&egrave;re. En rouvrant l'&eacute;cole et les commerces et en ouvrant des ateliers de c&eacute;ramique et de tissage, il &eacute;tait devenu un mod&egrave;le politique international. Domenico Lucano, maire depuis 2004, en &eacute;tait la figure centrale, et le film en fait aussi son h&eacute;ros, suivant sa trajectoire, qui s&rsquo;entrem&ecirc;le &agrave; celle du village.
Face &agrave; la lumi&egrave;re chorale du premier volet, la mise en sc&egrave;ne de Shu Aiello et Catherine Catella se fait maintenant plus sombre et plus statique, &agrave; l'image de la communaut&eacute; du village qui retient son souffle. En juin 2018, l'arriv&eacute;e de Matteo Salvini au minist&egrave;re de l'Int&eacute;rieur italien et sa politique des &laquo;&nbsp;ports ferm&eacute;s&nbsp;&raquo; change la donne pour Riace, d&eacute;sormais &eacute;rig&eacute;e en repoussoir. Lucano est arr&ecirc;t&eacute; en octobre, assign&eacute; &agrave; r&eacute;sidence, interdit de s&eacute;jour dans son propre village et destitu&eacute; de ses fonctions de maire. Le film raconte ce moment de bascule &agrave; la mani&egrave;re d&rsquo;une fable am&egrave;re&nbsp;: l'homme qui avait d&eacute;montr&eacute; qu'une politique d'accueil pouvait relancer un territoire devient, du jour au lendemain, la cible de l&rsquo;&Eacute;tat.
En 2021, le tribunal de Locri le condamne &agrave; treize ans et deux mois de prison, pour association de malfaiteurs, escroquerie et abus de pouvoir, une peine &agrave; la mesure de celles r&eacute;serv&eacute;es aux cadres des organisations mafieuses. Que la cour d'appel ait abandonn&eacute; de nombreux chefs d&rsquo;accusation en 2023, le tournage &eacute;tant d&eacute;j&agrave; termin&eacute;, ne change rien &agrave; ce qu&rsquo;Un village en r&eacute;sistance aura montr&eacute; entre-temps&nbsp;: une administration peut m&eacute;thodiquement d&eacute;manteler un mod&egrave;le de solidarit&eacute; qui, pourtant, fonctionnait.

Un village en résistance

En R&eacute;publique centrafricaine, on les appelle &laquo;&nbsp;Boyi-Biyo&nbsp;&raquo;, ou double poumon&nbsp;: ce sont les pousseurs de viande. Chaque matin, ils attendent &agrave; l'abattoir qu'on remplisse leur pousse de grands quartiers de viande avant de courir &agrave; travers la ville jusque chez leur patron boucher. Shilo est l'un d'eux. Il court, il court. Il a un r&ecirc;ve&nbsp;: gagner le marathon de Bangui.
Double poumon (Boyi-Biyo) pr&eacute;sente dans le d&eacute;tail la p&eacute;nible activit&eacute; professionnelle d&rsquo;un jeune travailleur &agrave; Bangui, en R&eacute;publique centrafricaine. En suivant les pr&eacute;ceptes formels caract&eacute;ristiques des Ateliers Varan, &agrave; savoir une approche d&rsquo;observation du r&eacute;el dans la dur&eacute;e, Anne-Bertille Ndeysseit Vopiande suit attentivement le quotidien de Shilo, dont la mission consiste &agrave; &laquo; pousser la viande &raquo; sur un chariot de fortune. De l&rsquo;abattage de la b&ecirc;te jusqu&rsquo;aux &eacute;tals du march&eacute;, chaque geste est auscult&eacute; : d&eacute;coupage, transport, pose des morceaux. Entre son point de d&eacute;part et la livraison, Shilo traverse la cit&eacute; en courant pieds nus dans la terre battue.
Le jeune homme aspire &agrave; mieux et surtout consid&egrave;re son travail comme un entra&icirc;nement pour le marathon de Bangui. Quelles sont ses chances de percer dans le monde de la course et &agrave; quel point ce projet ressemble-t-il &agrave; une chim&egrave;re ? Ce r&ecirc;ve ne convainc ni son &eacute;pouse ni ses ami&middot;es que l&rsquo;on rencontre avec Shilo lors de sc&egrave;nes de la vie courante, tous et toutes plus pragmatiques que lui. Ainsi, Double poumon (Boyi-Biyo)&nbsp;pr&eacute;sente surtout le manque d&rsquo;opportunit&eacute;s d&rsquo;une g&eacute;n&eacute;ration, peinant &agrave; faire subsister sa famille et se tournant vers la religion ou des fantasmes de succ&egrave;s pour att&eacute;nuer ses souffrances.

Double poumon

Em&eacute;lie est une jeune &eacute;tudiante enceinte de presque huit mois. Elle partage une minuscule pi&egrave;ce de vie avec son compagnon Agogo. Avec sa crini&egrave;re blonde, le jeune homme sillonne &agrave; taxi-moto les rues encombr&eacute;es de Bangui, en R&eacute;publique centrafricaine, pour subvenir aux besoins de sa future famille.
Jeunes, branch&eacute;s et amoureux, ils parlent d&rsquo;amour et r&ecirc;vent d&rsquo;une vie comme dans les s&eacute;ries am&eacute;ricaines. Mais Em&eacute;lie et Agogo n&rsquo;ont pas tout &agrave; fait les moyens de leurs r&ecirc;ves, car seul Agogo travaille pour le moment &agrave; leur subsistance, la jeune fille poursuivant des &eacute;tudes. En d&eacute;pit de leur pr&eacute;carit&eacute; et des incertitudes, la grossesse avance et la visite chez le gyn&eacute;cologue r&eacute;serve une belle surprise&hellip;
Film&eacute; avec une rare proximit&eacute;, Toi et moi est le r&eacute;cit intime d&rsquo;un amour insulaire, loin des solidarit&eacute;s et des pressions familiales. Em&eacute;lie et Agogo construisent ensemble une famille depuis leur petite chambre, sans toutefois en prendre pleinement conscience. C&rsquo;est notamment le cas d&rsquo;Agogo, souvent rappel&eacute; &agrave; ses nouvelles responsabilit&eacute;s. Em&eacute;lie annonce vouloir cinq enfants et leur parcours &agrave; deux commence.
N&eacute; en 1997 &agrave; Kivu en R&eacute;publique d&eacute;mocratique du Congo et immigr&eacute; en Centrafrique, Rafiki Fariala est d'abord slameur. &Agrave; tout juste 20 ans, il est s&eacute;lectionn&eacute; pour participer &agrave; l'atelier de r&eacute;alisation documentaire Varan &agrave; Bangui. Ce tout premier film documentaire Mbi na Mo (Toi et moi), a &eacute;t&eacute; pr&eacute;sent&eacute; dans de nombreux festivals, dont le prestigieux FIPADOC &agrave; Biarritz. En 2022, Rafiki Fariala r&eacute;alise son premier long m&eacute;trage documentaire Nous, &eacute;tudiants&nbsp;!, r&eacute;compens&eacute; en 2022 au Cin&eacute;ma du r&eacute;el par le Prix des Biblioth&egrave;ques et en 2025, il r&eacute;alise son premier long m&eacute;trage de fiction, CONGO BOY. Le film est pr&eacute;sent&eacute; en s&eacute;lection Un Certain Regard au Festival de Cannes 2026, avant de remporter de nombreux prix en festivals &agrave; travers le monde.

Toi et moi

Jefferson est ce qu'on appelle &agrave; Bangui un &laquo;&nbsp;docta&nbsp;&raquo;, un agent de sant&eacute; qui exerce la m&eacute;decine sans dipl&ocirc;me. Alors que le Minist&egrave;re de la Sant&eacute; centrafricain cherche &agrave; r&eacute;glementer la vente de m&eacute;dicaments, Jefferson traverse une crise de conscience. Son activit&eacute; est-elle dangereuse pour ses patient&middot;es&nbsp;? Doit-il abandonner&nbsp;? Mais alors, comment nourrira-t-il sa famille&nbsp;?
Dans sa minuscule &eacute;choppe, portant fi&egrave;rement sa blouse blanche, Jefferson n&rsquo;est pas un simple revendeur de m&eacute;dicaments. Il prend la tension, la temp&eacute;rature, conseille aux patient&middot;es d&rsquo;aller faire des analyses, et administre les traitements contre le paludisme avec dext&eacute;rit&eacute;. Mais Jefferson n&rsquo;est ni m&eacute;decin, ni pharmacien. Or, le gouvernement de la R&eacute;publique centrafricaine a d&eacute;cid&eacute; d&rsquo;interdire les pharmacies comme la sienne, dont l&rsquo;activit&eacute; est dangereuse pour la population. Mis en garde par les autorit&eacute;s, Jefferson informe son associ&eacute; qu&rsquo;il compte arr&ecirc;ter.
Chez lui aussi, la vie est rude. Sa compagne lui reproche de ne pas &ecirc;tre &agrave; la hauteur. Elle doit abandonner ses &eacute;tudes faute de pouvoir payer les frais de scolarit&eacute;, et elle ne peut offrir &agrave; ses parents les traditionnels cadeaux.
Le cin&eacute;aste Elvis Sabin Nga&iuml;bino suit la prise de conscience de Jefferson. Ce dernier h&eacute;site &agrave; abandonner ses nombreux&middot;ses patient&middot;es, et un m&eacute;tier qui permet de subvenir aux besoins de sa famille, mais craint de &laquo;&nbsp;tuer sans s&rsquo;en rendre compte&nbsp;&raquo;. Jefferson aspire aussi &agrave; voyager pour gagner des comp&eacute;titions sportives de tir &agrave; l&rsquo;arc, sport dans lequel il excelle. Une autre mani&egrave;re de rapporter de l&rsquo;argent car c&rsquo;est bien dans son pays que Jefferson veut vivre pour y &laquo;&nbsp;apporter la connaissance&nbsp;&raquo;.
Docta Jefferson est le premier film d&rsquo;Elvis Sabin Nga&iuml;bino, r&eacute;alis&eacute; dans le cadre de l&rsquo;atelier Varan &agrave; Bangui en 2017. Il r&eacute;alise ensuite Makongo en 2019, puis Le Fardeau en 2023, longs m&eacute;trages qui voyagent dans de nombreux festivals dont Cin&eacute;ma du R&eacute;el. Fort de ces exp&eacute;riences, Elvis Sabin Nga&iuml;bino a cr&eacute;&eacute; avec ses anciens formateurs devenus partenaires, <a href="https://www.ateliersvaran.com/fr/reseau/annuaire/daniele-incalcaterra_156">Daniele Incalcaterra</a> et Boris Lojkine, Makongo Films, la toute premi&egrave;re soci&eacute;t&eacute; de production de films en R&eacute;publique centrafricaine.

Docta Jefferson

Une dizaine de citadins partent quelques jours en for&ecirc;t pour chasser l&rsquo;orignal&hellip; Si l&rsquo;attrait de la pr&eacute;dation cimente le groupe, camaraderie et humiliation se confondent bient&ocirc;t. Une immersion intense, dr&ocirc;le et fascinante au sein d&rsquo;une vir&eacute;e virile, pour un classique du cin&eacute;ma qu&eacute;b&eacute;cois sign&eacute; Pierre Perrault.
Pour d&eacute;busquer l&rsquo;orignal (c&rsquo;est-&agrave;-dire l&rsquo;&eacute;lan), chacun a sa tactique&nbsp;: imiter son cri, se cacher dans les arbres, tirer au fusil&hellip; ou &agrave; l&rsquo;arc. Il y a les esth&egrave;tes d&rsquo;un c&ocirc;t&eacute;, les pragmatiques de l&rsquo;autre. Ceux pour qui la chasse repr&eacute;sente un retour &agrave; la nature quasi-mythologique, ceux pour qui elle est une tradition familiale. Tous ces hommes blancs, qui ont laiss&eacute; &eacute;pouse et enfants pour passer quelques jours en for&ecirc;t, ont en commun le d&eacute;sir de dominer. Dans les bois humides qu&rsquo;arpentent les amis le jour et dans la cabane enfum&eacute;e o&ugrave; ils se replient la nuit, la pr&eacute;dation prend donc de nombreux visages&nbsp;: &eacute;thylisme, r&eacute;gime carnivore, vulgarit&eacute;, humour homophobe et sexiste, accaparement de l&rsquo;espace et de la parole, harc&egrave;lement&hellip;
Et pourtant, La B&ecirc;te lumineuse raconte bien davantage. Pierre Perrault nous immerge au milieu du groupe, dans la for&ecirc;t ou dans une modeste pi&egrave;ce commune. Nous voil&agrave; pris&middot;es &agrave; parti dans les confidences, les mauvais tours, les discussions. Tour &agrave; tour, on rit et on s&rsquo;offusque, on compatit et l&rsquo;on est d&eacute;go&ucirc;t&eacute;&middot;e. L&rsquo;odeur de l&rsquo;humus et de la sueur nous chatouille presque le nez, le froid du dehors et la chaleur du four rougissent quasiment nos joues. Nous faisons partie de cette humanit&eacute; imparfaite qui, tout en convoquant les codes violents de la meute virile, cherche &agrave; cr&eacute;er du commun.
Pierre Perrault a lui aussi les pieds dans la boue, le regard &agrave; l&rsquo;aff&ucirc;t, et vit au rythme du groupe. Sa cam&eacute;ra ne se fait pas oublier&nbsp;: elle est le th&eacute;&acirc;tre des &eacute;changes, incitant &agrave; la mise en sc&egrave;ne de soi et aux d&eacute;bordements. Le c&eacute;l&egrave;bre cin&eacute;aste canadien assume son regard sur les uns et les autres, par un montage rapide ou, &agrave; l&rsquo;inverse, en &eacute;tirant les s&eacute;quences. C&rsquo;est &agrave; travers son &oelig;il parfois amus&eacute;, toujours empathique, que l&rsquo;on s&rsquo;attache aux acteurs de cette com&eacute;die humaine. En plus de t&eacute;moigner d&rsquo;une relation au territoire qu&eacute;b&eacute;cois, &agrave; son histoire et &agrave; sa mythologie, La B&ecirc;te lumineuse manifeste ainsi ce qu&rsquo;est le cin&eacute;ma documentaire pour son r&eacute;alisateur&nbsp;: &ecirc;tre avec celles et ceux que l&rsquo;on filme, et comprendre ce qui nous lie.

La Bête lumineuse

En 1961, Pierre Perrault, Michel Brault et Marcel Carri&egrave;re se rendent &agrave; l&rsquo;Isle-aux-Coudres, une &icirc;le du fleuve Saint-Laurent, pour filmer la relance d&rsquo;une p&ecirc;che ancestrale aux b&eacute;lugas abandonn&eacute;e depuis des d&eacute;cennies. Ce projet de l&rsquo;Office national du film du Canada d&eacute;passe vite son ambition ethnographique&nbsp;: plut&ocirc;t que d&rsquo;ouvrir un livre d&rsquo;histoire, il donne &agrave; une communaut&eacute; rurale isol&eacute;e les moyens d&rsquo;&eacute;crire elle-m&ecirc;me sa propre histoire.
Les habitants de l&rsquo;&icirc;le plantent des pieux dans la vase &agrave; mar&eacute;e basse afin d&rsquo;y pi&eacute;ger les b&eacute;lugas (appel&eacute;s ici &laquo;&nbsp;marsouins&nbsp;&raquo;). Cette fa&ccedil;on de p&ecirc;cher, abandonn&eacute;e depuis presque quarante ans et dont seuls les plus vieux se souviennent, est relanc&eacute;e &agrave; l&rsquo;initiative des cin&eacute;astes eux-m&ecirc;mes, qui ont convaincu la communaut&eacute; d&rsquo;organiser la p&ecirc;che pour le film. Mais l&rsquo;essentiel du film est ailleurs&nbsp;: r&eacute;unions collectives, veill&eacute;es, apprentissage entre g&eacute;n&eacute;rations occupent bien plus de place que les s&eacute;quences sur le fleuve. Tous y participent, des enfants aux vieillards, du chantre d&rsquo;&eacute;glise au cultivateur. La langue de l&rsquo;&icirc;le, un parler h&eacute;rit&eacute; des premiers colons fran&ccedil;ais, semble &agrave; l&rsquo;origine de tout&nbsp;: chaque souvenir, chaque r&eacute;cit est l&rsquo;occasion, par les mots, de ramener ce vieux monde &agrave; la vie.
Michel Brault, qui filme &agrave; l&rsquo;&eacute;paule avec une cam&eacute;ra l&eacute;g&egrave;re &Eacute;clair NPR et des objectifs &agrave; courte focale, en profite pour s&rsquo;approcher des habitant&middot;es. Marcel Carri&egrave;re assure le son avec un Nagra III r&eacute;volutionnaire, qui permet d&rsquo;enregistrer en synchrone sans liaison filaire avec la cam&eacute;ra, et dissimule des microphones sur les v&ecirc;tements des p&ecirc;cheurs pour capter les &eacute;changes informels en plein fleuve. Pierre Perrault, qui vient de la radio, est de tous les rassemblements, toutes les veill&eacute;es, dans les salons et &agrave; l&rsquo;&eacute;glise&nbsp;: les portes lui sont ouvertes, en partie gr&acirc;ce aux liens de sa femme Yolande avec la communaut&eacute; de l&rsquo;Isle-aux-Coudres.
La chasse au marsouin n&rsquo;est finalement peut-&ecirc;tre qu&rsquo;un pr&eacute;texte, et au fil des &eacute;changes, le film prend une dimension philosophique. Il s&rsquo;agit en fait de transmettre. On parle constamment de son &acirc;ge, du temps qu&rsquo;il nous reste, des jeunes dont il serait bon qu&rsquo;ils continuent. Si le ton du film est celui du merveilleux de l&rsquo;enfance et de la dr&ocirc;lerie des anc&ecirc;tres, la question de la mort des uns et de la fin d&rsquo;un monde n&rsquo;est jamais loin. Rigaudons, turlutes, b&eacute;n&eacute;dictions&nbsp;: les traditions (&eacute;tymologiquement &laquo;&nbsp;faire passer &agrave; un autre&nbsp;&raquo;) sont en fait des rituels. &laquo;&nbsp;Les jeunes, il faut qu&rsquo;ils croient&nbsp;&raquo;. &Agrave; l&rsquo;Isle-aux-Coudres, on fait peut-&ecirc;tre cette p&ecirc;che une derni&egrave;re fois, mais on la fait comme elle a toujours &eacute;t&eacute; faite, &laquo;&nbsp;pour la suite du monde.&nbsp;&raquo;
Le film est devenu un incontournable du &laquo;&nbsp;cin&eacute;ma v&eacute;cu&nbsp;&raquo; ou &laquo;&nbsp;ethnofiction&nbsp;&raquo; &agrave; l&rsquo;&eacute;chelle internationale.

Pour la suite du monde

Souvent pr&eacute;sent&eacute; comme le premier film anticolonialiste de l&rsquo;histoire du cin&eacute;ma, Afrique 50 d&eacute;construit cat&eacute;goriquement le mythe de l'&oelig;uvre civilisatrice de la France coloniale. Afrique 50 est &eacute;galement un acte de r&eacute;sistance flamboyant &agrave; l'oppression violente de l&rsquo;Homme par l&rsquo;Homme.
Ren&eacute; Vautier prend le maquis en 1943 &agrave; seulement 15 ans. Apr&egrave;s la guerre, il adh&egrave;re au Parti communiste fran&ccedil;ais et suit les cours de l&rsquo;IDHEC (l&rsquo;actuelle F&eacute;mis). En 1950, la Ligue de l&rsquo;enseignement lui commande un film sur l&rsquo;&eacute;ducation fran&ccedil;aise en Afrique. Mais Ren&eacute; Vautier pr&eacute;f&egrave;re montrer le travail forc&eacute; et les violences de l&rsquo;administration coloniale contre les populations de l&rsquo;Afrique occidentale fran&ccedil;aise (AOF). Tourn&eacute; pendant un an au S&eacute;n&eacute;gal, au Soudan fran&ccedil;ais (l&rsquo;actuel Mali), en Haute-Volta (l&rsquo;actuel Burkina Faso), et en C&ocirc;te d&rsquo;Ivoire, AOF, Afrique 50 vaut &agrave; son r&eacute;alisateur de seulement 21 ans, une condamnation &agrave; un an de prison.
Longtemps rest&eacute; invisible, Afrique 50 rompt radicalement avec l'exotisme port&eacute; par un certain cin&eacute;ma fran&ccedil;ais, qui m&ecirc;le ethnographie et propagande sur fond de lointaines colonies. Sur la musique ent&ecirc;tante du dramaturge et compositeur guin&eacute;en Ke&iuml;ta Fodeba, Afrique 50 d&eacute;roule un commentaire enflamm&eacute;, qui dialogue avec le montage nerveux et percutant, d&rsquo;images n&eacute;anmoins fragiles et vacillantes. La voix de Vautier mart&egrave;le sa col&egrave;re ravageuse sans que nul ne sache si les images tremblent ou si sa voix les fait trembler. &ldquo;En fait, c&rsquo;est nous qui tremblons quand Ren&eacute; Vautier scande les noms des bourreaux et des compagnies coloniales, qui exploitent, maltraitent et assassinent.&rdquo; &eacute;crit le cin&eacute;aste Christian Lebrat.
Ren&eacute; Vautier d&eacute;couvre lors de son voyage africain toute la violence de l'entreprise coloniale sur les hommes comme sur terre. Sa formation communiste et son pass&eacute; de r&eacute;sistant se conjuguent dans une analyse irr&eacute;vocable de la situation. Vautier regarde en effet le fait colonial comme un syst&egrave;me global d&rsquo;oppression : &ldquo;On ouvre une &eacute;cole quand les grandes compagnies coloniales ont besoin de comptables. On envoie un m&eacute;decin quand les grosses compagnies risquent de manquer de main d'&oelig;uvre.&rdquo; Il fustige la mis&egrave;re comme la cons&eacute;quence d&rsquo;un syst&egrave;me pr&eacute;dateur, fond&eacute; sur l'exploitation syst&eacute;matique de toutes les ressources au moindre co&ucirc;t : &ldquo;Ce n&rsquo;est pas l&rsquo;image officielle de la colonisation. Amis, la colonisation, ici comme partout, c&rsquo;est le r&egrave;gne des vautours.&rdquo; Mais Vautier va encore plus loin, anticipant les futures guerres sanglantes de d&eacute;colonisation : &rdquo;Au nom de la France et de la civilisation, cette administration colonialiste r&eacute;pondra aux Africains comme elle a r&eacute;pondu aux Malgaches et aux Vietnamiens, par la force, la matraque, la prison, le fusil.&rdquo; Son film-tract appelle sans plus tarder &agrave; la r&eacute;sistance et &agrave; la lib&eacute;ration par la fraternit&eacute; : &ldquo;Le peuple de France et le peuple d&rsquo;Afrique sont au coude &agrave; coude et cette place dans la lutte commune, le peuple africain la tiendra envers et contre tous jusqu&rsquo;&agrave; ce que soit gagn&eacute;e la bataille de la vie&hellip;&rdquo;

Afrique 50

Cou&euml;ron, Loire-Atlantique, une usine m&eacute;tallurgique d&eacute;pendant du groupe Pechiney-Ugine Kuhlmann. Pour marquer leur solidarit&eacute; avec leurs maris en gr&egrave;ve, quelques femmes d&rsquo;ouvriers de l&rsquo;usine Tr&eacute;fim&eacute;taux envahissent le bureau du directeur et obtiennent en deux heures ce qu'on leur refusait depuis des mois. Mais la direction porte plainte. Douze d'entre elles sont inculp&eacute;es et leurs vies basculent.
La coop&eacute;rative de production UPCB (Unit&eacute; de Production Cin&eacute;ma Bretagne) a &eacute;t&eacute; cr&eacute;&eacute;e en 1969 par Ren&eacute; Vautier ainsi que F&eacute;lix et Nicole Le Garrec pour exprimer le point de vue des &ldquo;colonis&eacute;s de l&rsquo;int&eacute;rieur&rdquo;. Sa mission est de faire du &ldquo;cin&eacute;ma d&rsquo;intervention sociale&rdquo;, un cin&eacute;ma engag&eacute; qui doit &ldquo;faire p&eacute;n&eacute;trer le cin&eacute;ma militant dans les structures de diffusion commerciales&rdquo; : &ldquo;Nous sommes un haut-parleur; un instrument technique pour que la base puisse s&rsquo;exprimer dans ses luttes.&rdquo; Ainsi, quand des ouvriers de Saint-Nazaire pr&eacute;viennent Vautier de la participation des femmes &agrave; la gr&egrave;ve de Tr&eacute;fim&eacute;taux, c&rsquo;est tout naturellement qu&rsquo;une &eacute;quipe d&eacute;barque &agrave; Cou&euml;ron pour filmer. Vautier fait appel &agrave; sa compagne, Soazig Chappedelaine, pour la r&eacute;alisation, qu&rsquo;elle souhaite rapidement consacrer aux douze femmes inculp&eacute;es pour s&eacute;questration.
Ces douze femmes en col&egrave;re (est-ce un hommage au film de Sidney Lumet ?) vont raconter leur quotidien, l'&eacute;ducation des enfants et les probl&egrave;mes de couples inclus. Et de l&rsquo;intime au collectif, Quand les femmes&hellip; inscrit la lutte f&eacute;ministe dans un combat d'ensemble pour une transformation de la soci&eacute;t&eacute;. Soazig Chappedelaine remet en question au pr&eacute;alable l&rsquo;insistance de l&rsquo;op&eacute;rateur sur la photog&eacute;nie de Maril&egrave;ne, l&rsquo;une des douze femmes &agrave; la verve pr&eacute;cise et aux yeux per&ccedil;ants. Soazig admettra ensuite que le cam&eacute;raman a eu raison de suivre ses prises de parole car la rh&eacute;torique de Maril&egrave;ne &eacute;claire avec une grande coh&eacute;rence la subordination des ouvriers, et d&rsquo;autant plus celle des femmes d&rsquo;ouvriers, aux in&eacute;galit&eacute;s de classe qu&rsquo;engendre le capitalisme. Des images sur les barbel&eacute;s de l&rsquo;usine s'ajoutent en contrepoint du discours de Marylene sur les violences conjugales et sa rage de ne jamais voir les couples d&rsquo;ouvriers dans le cin&eacute;ma fran&ccedil;ais, trop concentr&eacute; sur la bourgeoisie.
Enfin, le film souligne les divergences de vue entre un syndicalisme encore tr&egrave;s masculin, et un f&eacute;minisme port&eacute; par des femmes encore minoritaires et peu consid&eacute;r&eacute;es dans l&rsquo;appareil syndical. Seules deux femmes parmi les inculp&eacute;es sont encart&eacute;es ou syndiqu&eacute;es. Au-del&agrave; du simple constat, raconter le double syst&egrave;me d&rsquo;oppression de la femme d&rsquo;ouvrier (l&rsquo;in&eacute;galit&eacute; sociale et l&rsquo;in&eacute;galit&eacute; de genre) est une v&eacute;ritable prise de position en faveur des femmes, notamment pour un cin&eacute;aste inscrit au syndicat des techniciens du film de la CGT. Chappedelaine et Vautier proposent encore une vision nuanc&eacute;e de la lutte. 18 mois apr&egrave;s les faits, le constat est parfois amer : rupture, divorce, ch&ocirc;mage&hellip; Comme si les femmes en demandaient trop ou avan&ccedil;aient trop vite : &ldquo;Les femmes poussent des portes et les hommes ont peur de rester coinc&eacute;s.&rdquo;

Quand les femmes ont pris la colère

Le 16 mars 1978, le p&eacute;trolier supertanker Amoco-Cadiz coule au large de Portsall, petit port du Finist&egrave;re nord, d&eacute;versant 230 tonnes de mazout dans l&rsquo;oc&eacute;an. Mar&eacute;e noire et col&egrave;re rouge d&eacute;construit la campagne d&rsquo;information qui a suivit l&rsquo;accident et r&eacute;v&egrave;le ses cons&eacute;quences d&eacute;sastreuses pour l&rsquo;environnement.
Sous le sable, le mazout. Si toute v&eacute;rit&eacute; est bonne &agrave; dire, elle n&rsquo;est pas n&eacute;cessairement bonne &agrave; entendre. Appel&eacute; une fois de plus par les citoyens via la structure de production UPCB (Unit&eacute; de production cin&eacute;ma Bretagne), le cin&eacute;aste Ren&eacute; Vautier devient le h&eacute;raut militant de l'&eacute;cologie. Son intervention prend pour cible la d&eacute;sinformation des responsables du monde politique, &eacute;conomique et m&eacute;diatique sur la mar&eacute;e noire. La voix over de Vautier commente et analyse sur un montage cadenc&eacute; les causes, terribles, et les cons&eacute;quences, massives, de la catastrophe sur le littoral breton. Vautier d&eacute;nonce les failles et manquements du plan de gestion de la crise : technocrates incapables, solutions court-termistes prises sans concertation, app&acirc;t du gain des entreprises lib&eacute;rales de sauvetage, etc. Il d&eacute;nonce les effets d&rsquo;annonce et l&rsquo;immobilisme des politiques face &agrave; la mainmise des multinationales et de l&rsquo;&eacute;conomie de march&eacute;. Il d&eacute;nonce enfin les dangers du benz&egrave;ne, l'hydrocarbure constituant le p&eacute;trole de l&rsquo;Amoco-Cadiz. Mais Vautier relaie surtout la voix de ceux dont la vie est en suspens : p&ecirc;cheurs de coquillages, d&rsquo;algues et de poissons, petits commer&ccedil;ants tout juste install&eacute;s, dont les dettes s'accumulent.
Devant la cam&eacute;ra se retrouvent &eacute;tudiants, scientifiques, &eacute;cologistes et habitants. Appel&eacute;s &agrave; nettoyer les plages b&eacute;n&eacute;volement, ces irr&eacute;ductibles bretons expriment leur col&egrave;re et leurs peurs concernant les cons&eacute;quences de la mar&eacute;e noire sur leur environnement, leur sant&eacute; et leurs conditions de vie. Des manifestants scandent dans la rue : &ldquo;Radio, t&eacute;l&eacute;, informations bidons&rdquo; ou encore : &ldquo;Nous sommes tous des pingouins mazout&eacute;s&rdquo;. Leurs voix dialoguent avec celle enjou&eacute;e d&rsquo;une fausse speakerine de t&eacute;l&eacute;vision, annonc&eacute;e par un jingle t&eacute;l&eacute;visuel. Cette compilation d&rsquo;&eacute;l&eacute;ments de langage ressass&eacute;s par les m&eacute;dias apporte une touche humoristique au r&eacute;cit mais ne retire rien &agrave; la diatribe, fa&ccedil;on Afrique 50. Si Vautier insiste sur les images du cormoran mazout&eacute;, ayant marqu&eacute; les m&eacute;dias, il signale surtout que l&rsquo;oiseau a d&eacute;tourn&eacute; la presse de la r&eacute;elle d&eacute;tresse des habitants. Mar&eacute;e noire et col&egrave;re rouge part donc &agrave; la conqu&ecirc;te d&rsquo;une autre v&eacute;rit&eacute; que celle propos&eacute;e par les m&eacute;dias ou les politiques. Le film, invisible &agrave; la t&eacute;l&eacute;vision, inspira d&rsquo;autres militants &agrave; l&rsquo;occasion de nouvelles mar&eacute;es noires pour revendiquer le principe de &ldquo;pollueurs = payeurs&rdquo;. Ces images ont permis d&rsquo;attester des d&eacute;g&acirc;ts et de r&eacute;clamer r&eacute;paration aupr&egrave;s des tribunaux et des autorit&eacute;s. Au regard de la crise &eacute;cologique en cours, le film n&rsquo;a malheureusement rien perdu de son urgence.

Marée noire et colère rouge

La com&eacute;dienne et r&eacute;alisatrice Cl&eacute;mence Po&eacute;sy propose un regard in&eacute;dit sur les jeunes &eacute;l&egrave;ves de l&rsquo;&Eacute;cole de Danse de l&rsquo;Op&eacute;ra national de Paris. Elle laisse hors-champ les corps au travail et saisit dans un cadrage serr&eacute; l&rsquo;intimit&eacute; des visages pour r&eacute;v&eacute;ler une part du myst&egrave;re de cet apprentissage quotidien. 
&laquo;&Ccedil;a se fabrique (comment) la gr&acirc;ce ? Au d&eacute;part, enfin juste apr&egrave;s l&rsquo;&eacute;merveillement de toujours, et l&rsquo;&eacute;motion face &agrave; la perfection d&rsquo;un ballet, il y a cette question - ou plut&ocirc;t il y a l&rsquo;envie, profonde, d&rsquo;aller chercher, de regarder, de comprendre, peut-&ecirc;tre, un peu de ce secret s&rsquo;il existe. On fait des films pour saisir des myst&egrave;res - pour aller chercher au plus pr&egrave;s des &ecirc;tres, un petit peu de leur essence, de leur complexit&eacute;, de leur beaut&eacute;.
Com&eacute;dienne, j&rsquo;ai souvent observ&eacute; des surprises infimes et merveilleuses sur les visages d&rsquo;acteurs / compagnons de route une fois le film termin&eacute;. Nous avions jou&eacute; des sc&egrave;nes ensemble - et tant de fois tr&egrave;s proches - parfois m&ecirc;me, nos peaux s&rsquo;&eacute;taient touch&eacute;es... Et pourtant, la cam&eacute;ra avait d&eacute;cel&eacute; quelque chose de nos personnages que nous ignorions nous-m&ecirc;mes. Le gros plan est un monde - un r&eacute;v&eacute;lateur d&rsquo;&acirc;mes. La danse, je ne la connais que comme spectatrice - les danseurs que de loin. Ils m&rsquo;impressionnent, me transportent, me troublent d&rsquo;autant plus. Comment traverse-t-on cette transformation si physique - si concr&egrave;te - de nature en culture ? De quoi faut-il s'armer pour cette aventure ? La question qui est au centre du film, c&rsquo;est cette contradiction qui m&rsquo;enchante depuis toujours - toute forme d&rsquo;art la soul&egrave;ve mais la danse l&rsquo;expose de fa&ccedil;on peut-&ecirc;tre plus impressionnante, plus &eacute;clatante que les autres. Cr&eacute;er n&rsquo;est ce pas ma&icirc;triser l&rsquo;inexplicable ? R&eacute;p&eacute;ter l&rsquo;insaisissable ?
En observant &agrave; l&rsquo;&Eacute;cole de danse de l&rsquo;Op&eacute;ra national de Paris le travail de ceux qui construisent jour apr&egrave;s jour leur "devenir" de danseurs et danseuses, est n&eacute; le d&eacute;sir d&rsquo;un regard qui laisserait hors-champ les corps qu&rsquo;ils domptent chaque jour - ce qui sera apr&egrave;s dans la lumi&egrave;re, sur sc&egrave;ne - rendus magiques par un travail acharn&eacute;. Le d&eacute;sir d&rsquo;un film qui mettrait le gros plan au service de la "qu&ecirc;te" que devient cet apprentissage. Scruter ce &agrave; quoi le spectateur des deux autres sc&egrave;nes de l&rsquo;Op&eacute;ra n&rsquo;a pas acc&egrave;s. Et saisir peut-&ecirc;tre dans l&rsquo;intimit&eacute; d&rsquo;un visage quelque chose de ce myst&egrave;re l&agrave;....&raquo; (Cl&eacute;mence Po&eacute;sy)

À bout portés

Pour la 3e Sc&egrave;ne de l&rsquo;Op&eacute;ra national de Paris, Mathieu Amalric filme la soprano Barbara Hannigan au cours de ses exercices de respiration et de recherche du son id&eacute;al. Une performance rare et intime au plus pr&egrave;s du myst&egrave;re de la voix humaine.
Dans le monde du cin&eacute;aste Mathieu Amalric brillent deux Barbara. La chanteuse brune aux cheveux courts qu'a interpr&eacute;t&eacute;e Jeanne Balibar dans le film Barbara en 2017 et la chanteuse lyrique Barbara Hannigan &agrave; la longue chevelure blonde. Cette soprano et cheffe d'orchestre canadienne &agrave; la voix bouleversante a collabor&eacute; avec les musiciens Simon Rattle, Pierre Boulez, Pascal Dusapin ou encore John Zorn, dont Mathieu Amalric a film&eacute; le travail r&eacute;cent dans ses films Zorn I &agrave; Zorn III, ce dernier avec la chanteuse. Le r&eacute;alisateur documente dans C'est presque au bout du monde l'entra&icirc;nement vocal de Barbara Hannigan lors de l&rsquo;&eacute;t&eacute; 2015. Un moment d'extr&ecirc;me intensit&eacute;, o&ugrave; la soprano &eacute;prouve toute la gamme des sensations, de la souffrance pure &agrave; la jouissance incandescente. &Agrave; travers la sensualit&eacute; des r&eacute;p&eacute;titions de la chanson Youkali de Kurt Weill, sur des paroles de Roger Fernay (qui donnent leur titre au court m&eacute;trage), il nous transmet son &eacute;motion face &agrave; la la beaut&eacute; de l'&oelig;uvre et de son interpr&egrave;te.
&laquo;Comme beaucoup de gens de ma g&eacute;n&eacute;ration, je n&rsquo;ai presque pas os&eacute; approcher le ballet et l&rsquo;op&eacute;ra, arts trop nobles, croyais-je, &agrave; priori. Si ce n&rsquo;est &agrave; travers les vinyles sovi&eacute;tiques &ldquo;Melodia&rdquo; de mes parents ou les souvenirs soporifiques de &ldquo;Lac Noisette&rdquo; ou autre &ldquo;Casse des Cygnes&rdquo;, forc&eacute;, enfant, d&rsquo;accompagner ma m&egrave;re au Bolcho&iuml;, dans mes jeunes ann&eacute;es du Moscou brejn&eacute;vien. Alors que faire ?... Peut-&ecirc;tre simplement partir d&rsquo;une pure fascination physique de n&eacute;ophyte: d&rsquo;o&ugrave; viennent ces voix inhumaines ? D&rsquo;o&ugrave;, dans le corps, la troublante anomalie du chant prend-t-elle sa source, sa douceur et sa puissance ? La vibration, l&rsquo;air, le son&hellip; Est-ce qu&rsquo;entre le cri du b&eacute;b&eacute;, l&rsquo;envo&ucirc;tement de la berceuse, l&rsquo;effroi de l&rsquo;h&eacute;ro&iuml;ne hitchcockienne sous la douche, la respiration au travail ou les r&acirc;les de la jouissance, Barbara Hannigan me soufflerait-elle la voie ?&hellip; &raquo; (Mathieu Amalric)

C'est presque au bout du monde

Au fil d&rsquo;une d&eacute;ambulation nocturne en voiture dans les rues de Paris, Pierre Berg&eacute; se confie sur son rapport &agrave; la musique et son pass&eacute; de Pr&eacute;sident de l&rsquo;Op&eacute;ra national de Paris. Ses souvenirs se m&ecirc;lent &agrave; une transcription pour piano du Cr&eacute;puscule des dieux diffus&eacute;e &agrave; la radio. 
Ce long entretien consacr&eacute; &agrave; la p&eacute;riode, de 1988 &agrave; 1994, o&ugrave; Pierre Berg&eacute; &agrave; pr&eacute;sid&eacute; l'Op&eacute;ra national de Paris et particip&eacute; &agrave; la cr&eacute;ation du nouvel Op&eacute;ra Bastille, n&rsquo;&eacute;tait pas destin&eacute; &agrave; devenir un film. &Agrave; la mort de ce grand m&eacute;c&egrave;ne et homme d'affaires fran&ccedil;ais, ayant partag&eacute; la vie d&rsquo;Yves Saint-Laurent, les r&eacute;alisateurs Gordon et Philippe B&eacute;ziat ont d&eacute;cid&eacute; d'inscrire ses propos, proches d&rsquo;une confession, dans l&rsquo;habitacle intime d'une voiture. Ce trajet nocturne dans les quartiers proches des deux &ldquo;premi&egrave;res&rdquo; sc&egrave;nes de l&rsquo;Op&eacute;ra convoque et c&eacute;l&egrave;bre a posteriori les souvenirs passionn&eacute;s d&rsquo;un homme pour la musique et les arts, ainsi que sa relation avec la c&eacute;l&egrave;bre institution. En toile de fond, la voix se superpose au Cr&eacute;puscule des Dieux de Richard Wagner. Ainsi les mots, choisis et &eacute;l&eacute;gants, de Pierre Berg&eacute; trouvent-ils une r&eacute;sonance particuli&egrave;re&nbsp;en contrpoint de cette majestueuse transcription pour piano interpr&eacute;t&eacute;e par Nikola&iuml; Luganski.

Le Crépuscule des dieux

Jean-Gabriel P&eacute;riot dessine en creux le portrait d&rsquo;un groupe de femmes pour qui le chant est un moyen de r&eacute;sister et de sortir de l&rsquo;isolement. Le compositeur Thierry Escaich collabore &agrave; cette r&eacute;alisation en composant la musique originale du film interpr&eacute;t&eacute;e par neuf musiciens de l&rsquo;Op&eacute;ra national de Paris.
C&rsquo;est en d&eacute;couvrant le travail que la chanteuse lyrique Malika Bellaribi Le Moal m&egrave;ne depuis une dizaine d'ann&eacute;es dans les banlieues parisiennes et lyonnaises &agrave; l&rsquo;intention d&rsquo;hommes et de femmes en situation pr&eacute;caire que Jean-Gabriel P&eacute;riot a voulu t&eacute;moigner de cette action socioculturelle g&eacute;n&eacute;reuse, dans laquelle la musique est mise au premier plan.
&laquo;Apr&egrave;s avoir particip&eacute; &agrave; quelques ateliers men&eacute;s &agrave; Cr&eacute;teil, j&rsquo;ai eu envie de faire un film sur ces choristes incroyablement belles, t&ecirc;tues et courageuses [...] Je les ai interrog&eacute;es sur leurs vies, dans tout ce qu&rsquo;elles peuvent avoir de beau et de p&eacute;nible, et sur ce que le chant &eacute;tait pour chacune d&rsquo;entre elles. Qu&rsquo;est-ce que chanter bouge dans le corps ? Qu&rsquo;est-ce que cela apporte au quotidien ? Qu&rsquo;est-ce qui se joue quand on chante devant un public ? Comment la musique "agit" dans le corps et dans l&rsquo;esprit ? Le texte d&rsquo;une chanson est n&eacute; du montage d&rsquo;extraits de ces interviews, une chanson construite &agrave; deux voix: ce qui bloque, entrave, et ce qui lib&egrave;re. Thierry Escaich a mis ce texte en musique: cinq couplets et cinq interludes musicaux, compos&eacute;s pour y ajouter des extraits, en voix off, des interviews utilis&eacute;es pour &eacute;crire le texte de la chanson. C&rsquo;est un travail de tissage entre un texte lyrique &eacute;crit avec des mots inhabituellement concrets et des extraits de ces interviews utilis&eacute;s pour le texte chant&eacute;. Les paroles de ces femmes naviguent du parl&eacute; au chant&eacute;, et de r&eacute;alistes deviennent po&eacute;sie. Le film donnera des visages, des corps &agrave; ces voix, il les incarnera et inventera un voyage qui, de m&ecirc;me que les textes, ira du concret &agrave; l&rsquo;imaginaire, du documentaire &agrave; la fiction, d&rsquo;une salle de r&eacute;p&eacute;tition d&rsquo;un atelier socio-culturel au plateau du Palais Garnier.&raquo; (Jean-Gabriel P&eacute;riot)

De la joie dans ce combat

&Agrave; partir d&rsquo;images d&rsquo;archives, le r&eacute;alisateur Sergue&iuml; Loznitsa revisite avec humour les soir&eacute;es de Gala organis&eacute;es au Palais Garnier dans les ann&eacute;es cinquante et soixante. On y voit le Tout-Paris et les c&eacute;l&eacute;brit&eacute;s internationales de l'&eacute;poque gravir, devant un public en liesse, les marches de l&rsquo;Op&eacute;ra pour &eacute;couter chanter Maria Callas. 
&laquo;C&rsquo;est Philippe Martin [producteur, fondateur de la soci&eacute;t&eacute; Les Films Pell&eacute;as], que j&rsquo;ai rencontr&eacute; gr&acirc;ce &agrave; Jonathan Littell, qui m&rsquo;a sugg&eacute;r&eacute; de travailler &agrave; partir des archives de l&rsquo;Op&eacute;ra. J&rsquo;ai &eacute;t&eacute; inspir&eacute; par cette proposition, et je crois que nous sommes parvenus &agrave; cr&eacute;er quelque chose d&rsquo;&agrave; la fois l&eacute;ger et beau et qui, par la m&ecirc;me occasion, refl&egrave;te la nature de l'Op&eacute;ra de Paris en tant qu&rsquo;institution et son r&ocirc;le dans la soci&eacute;t&eacute; fran&ccedil;aise [...] L&rsquo;Op&eacute;ra de Paris est une institution nationale, un tr&eacute;sor national, et dans une certaine mesure - en l&rsquo;absence d&rsquo;un monarque et d&rsquo;un palais royal - il joue le r&ocirc;le du "temple sacr&eacute;", un lieu embl&eacute;matique de la fiert&eacute; et de la joie d&rsquo;une nation, o&ugrave; des dirigeants &eacute;trangers sont invit&eacute;s pour admirer la manifestation de la splendeur culturelle et la gloire nationale. Et en m&ecirc;me temps, le message le plus important du film est que le pouvoir et la gloire de l&rsquo;Art sont plus grands que l&rsquo;aura de n&rsquo;importe quel politicien ou royaut&eacute;. Lorsque Maria Callas appara&icirc;t sur la sc&egrave;ne et qu&rsquo;on entend les premi&egrave;res notes de l&rsquo;air de Rosine [Le Barbier de S&eacute;ville], toutes les vedettes du monde politique, les monarques et dictateurs r&eacute;unis dans le public tombent dans l&rsquo;oubli, compl&egrave;tement &eacute;clips&eacute;s par le talent et le charisme de Maria Callas. Si l&rsquo;Op&eacute;ra est le temple des arts, alors l&rsquo;artiste est Dieu en son temple. Ou alors, pour citer Ossip Mandelstam, &ldquo;ce n&rsquo;est pas la ville de Rome qui subsiste &agrave; travers les si&egrave;cles, mais la place des Hommes dans l&rsquo;univers&rdquo;&raquo;. (Extraits de l&rsquo;entretien avec Sergue&iuml; Loznitsa r&eacute;alis&eacute; &agrave; l&rsquo;occasion de la sortie du film Celles qui chantent en juillet 2020)

Une nuit à l'Opéra

Bovines est une exp&eacute;rience esth&eacute;tique in&eacute;dite dans laquelle le spectateur est projet&eacute; dans un p&acirc;turage aupr&egrave;s d&rsquo;animaux imposants et fascinants : les vaches. 
Le film nous donne &agrave; voir, dans un temps quasi r&eacute;el, l'existence a priori paisible des vaches, b&ecirc;tes sto&iuml;ques et massives qui peuplent ici le bocage normand, territoire poss&eacute;dant le charme des peintures de l&rsquo;&eacute;cole anglaise du paysage. Chaque petit instant de la &ldquo;vraie&rdquo; vie des vaches est per&ccedil;u dans sa mat&eacute;rialit&eacute; et sa fragilit&eacute;, et m&ecirc;me, dans sa dramaticit&eacute;. Du matin au soir, nous pouvons sentir la temp&eacute;rature changer, la pluie arriver, le froid les saisir, le poids des sabots dans la boue, l&rsquo;envie imp&eacute;rieuse de manger des pommes, puis &agrave; nouveau, de revenir &agrave; l'herbe... Le film d&rsquo;Emmanuel Gras invite &agrave; &eacute;couter des bruits quasi fantastiques de rumination, l&eacute;chage, masticage et meuglement. Il donne aussi &agrave; voir avec beaucoup de pudeur et ce, sans un mot de commentaire, la naissance et la s&eacute;paration des petits veaux d&rsquo;avec leurs m&egrave;res, conditionn&eacute;e par l&rsquo;&eacute;levage bovin.
Ces instants de gr&acirc;ce, proprement poignants, sont livr&eacute;s sans anthropomorphisme mais dans un grand respect du vivant. L&rsquo;animal a probablement un autre rapport intelligible des choses mais vit une exp&eacute;rience sensorielle et sensible du monde que nous partageons. Entre la vache et nous, chacun peut sentir la chaleur des rayons du soleil ou l&rsquo;humidit&eacute; de l&rsquo;herbe, &ecirc;tre importun&eacute; par les mouches et conna&icirc;tre la douleur. Et dans leur force tranquille, ces animaux domestiques semblent nous dominer et nous inviter &agrave; penser notre propre condition.
Ce film remarquable, non d&eacute;nu&eacute; d&rsquo;humour, est &agrave; mettre devant tous les yeux et toutes les oreilles, y compris celles des plus jeunes. Il a d&rsquo;ailleurs &eacute;t&eacute; s&eacute;lectionn&eacute; dans le programme &Eacute;cole et cin&eacute;ma, afin que les &eacute;l&egrave;ves puissent voir &agrave; quoi ressemble ce majestueux ruminant qui peuple nos assiettes et nos frigos.

Bovines, ou la vraie vie des vaches

Voyage passionnant &agrave; travers les petites formes prodigu&eacute;es depuis les ann&eacute;es 1980 par Alain Cavalier, "Cavalier Express" offre un &eacute;crin somptueux &agrave; huit courts m&eacute;trages tourn&eacute;s au fil du temps, &agrave; partir de la pr&eacute;paration du film "Th&eacute;r&egrave;se", succ&egrave;s critique et public qui a propuls&eacute; l&rsquo;auteur, de son vivant, au Panth&eacute;on des cin&eacute;astes.
C&rsquo;est &agrave; cette &eacute;poque que Cavalier, tournant r&eacute;solument le dos &agrave; la machinerie financi&egrave;re du cin&eacute;ma et &agrave; la pesanteur des tournages, devient le filmeur, un homme libre et joyeux qui invente une &eacute;criture l&eacute;g&egrave;re, proche des hommes et des femmes dont il capte des moments de vie, cach&eacute; derri&egrave;re l&rsquo;&oelig;illeton de sa cam&eacute;ra. Certains de ses projets sont &agrave; vis&eacute;e documentaire, d&rsquo;autres introduisent une dose de fiction, voire d&rsquo;autofiction lorsque le filmeur devient le film&eacute;. Apr&egrave;s une premi&egrave;re incursion dans ce nouveau genre, avec la c&eacute;l&egrave;bre "Lettre" qui t&eacute;moigne de l&rsquo;intensit&eacute; du travail sur "Th&eacute;r&egrave;se", l&rsquo;aventure solitaire se poursuit avec le tournage des &eacute;mouvants portraits de femmes artisans sur la p&eacute;riode 1987-1991, dont le film offre trois beaux aper&ccedil;us : La Matelassi&egrave;re, La R&eacute;mouleuse et L&rsquo;Illusionniste. Quel but poursuivait Cavalier en fixant sur la pellicule les visages et les corps, parfois marqu&eacute;s, de ces femmes de l&rsquo;ombre, exer&ccedil;ant un m&eacute;tier noble mais aussi un dur labeur ? L&rsquo;auteur explique sa d&eacute;marche: &laquo;J'ai tourn&eacute; 24 portraits de 13 minutes. J'ai choisi cette courte dur&eacute;e pour plusieurs raisons: ne pas ennuyer, &eacute;chapper &agrave; toute coupure publicitaire, r&eacute;aliser le film vite, dans un &eacute;lan et sans trop de ratures&raquo;.
Tr&egrave;s diff&eacute;rents, les deux films de 2006, "Agonie d&rsquo;un melon" et "J&rsquo;attends Jo&euml;l", montrent une autre facette du cin&eacute;aste, son go&ucirc;t pour ce que Georges Perec qualifiait d&lsquo;infraordinaire, les objets, les choses qui nous entourent et les petits &eacute;v&eacute;nements de la vie, comme la d&eacute;ch&eacute;ance inexorable d'une cucurbitac&eacute;e ou l&rsquo;attente inqui&egrave;te d&rsquo;un ami pour aller voir la finale de la coupe du monde de football au caf&eacute; du coin. Et puis, revenant &agrave; la mani&egrave;re d'une obsession, la r&eacute;flexion sur le cin&eacute;ma se poursuit &agrave; travers le remontage du film "La Chamade" de 1968, qui devient "Elle, seule" (2011), hommage &agrave; la beaut&eacute; de l&rsquo;actrice Catherine Deneuve. Et enfin, ultime sujet, la mort &agrave; l &eacute;cran, la souffrance et la mort des acteurs, qui ob&eacute;issent aux injonctions du cin&eacute;aste &agrave; "Faire la mort", avant que celui-ci n&rsquo;en comprenne la fondamentale obsc&eacute;nit&eacute; au moment de la vraie mort, celle d&rsquo;un p&egrave;re, puis d&rsquo;une m&egrave;re.

Cavalier Express

&Agrave; rebours du documentaire animalier classique, qui impose une lecture scientifique des images, ce film lituanien joue sur l'envo&ucirc;tement et l'enveloppement dans une confortable bulle sonore, o&ugrave; les bruits de la for&ecirc;t guident et stimulent la perception visuelle. 
Nul commentaire, musique ni dialogues ne viennent perturber l'exp&eacute;rience du spectateur, l&acirc;ch&eacute; au milieu des bois pour y vivre, ne serait-ce qu'une heure ou deux, au rythme de ses habitants naturels. De la grotte des loups au nid d'une cigogne noire, de l'abri d'une famille de chouettes au terrier d'une minuscule souris, guett&eacute;e sournoisement par un serpent, les sc&egrave;nes sont film&eacute;es de jour comme de nuit au plus pr&egrave;s de la vie sauvage d'une des derni&egrave;res for&ecirc;ts primaires de la baltique.
Biologiste de formation, Mindaugas Survila r&eacute;alise dans le cin&eacute;ma un r&ecirc;ve d'enfance et c'est avec des yeux d'enfant curieux de toutes choses, mais aussi avec une conscience politique d'adulte, qu'il fait d&eacute;couvrir son environnement. Le c&ocirc;t&eacute; enfantin, c'est peut-&ecirc;tre cette volont&eacute; de se d&eacute;passer, de r&eacute;ussir un d&eacute;fi personnel dans ce tournage tr&egrave;s long et ardu qui a n&eacute;cessit&eacute; de faire preuve de capacit&eacute;s physiques et mentales hors normes. L'adulte, c'est &eacute;vident, a beaucoup r&eacute;fl&eacute;chi aux probl&egrave;mes &eacute;cologiques graves qui menacent la plan&egrave;te. Outre le lancement d'une plateforme interactive et d'une fondation destin&eacute;e &agrave; acheter des for&ecirc;ts pour les pr&eacute;server, il veut t&eacute;moigner par le cin&eacute;ma des beaut&eacute;s naturelles et de l'urgence qu'il y a &agrave; les prot&eacute;ger : "Tous les enfants ont leur jardin secret. Le mien, c'&eacute;tait la for&ecirc;t. Un jour, j'ai d&eacute;couvert que les arbres avaient &eacute;t&eacute; coup&eacute;s et j'ai eu envie d'interpeller les responsables de cette destruction. Puis, j'ai r&eacute;fl&eacute;chi qu'il y avait plusieurs mani&egrave;res de sensibiliser les hommes. Soit en parler et partager des photos, soit r&eacute;aliser des films pour les montrer &agrave; un large public. Dans mon film, je ne me contente pas de dire que la for&ecirc;t n'est pas une r&eacute;serve lucrative de bois, mon but est de faire comprendre qu'elle a une &acirc;me. Le faire comprendre &agrave; tous et partout, car le probl&egrave;me de la d&eacute;forestation ne touche pas que la Lituanie, c'est un probl&egrave;me mondial." (interview de Mindaugas Survila, in Trend, 15 mai 2019)

Dans les bois

"Les garçons nous interdisent de jouer au foot à l'école". Papier et crayon à l'appui, une petite fille détaille la répartition des jeux dans la cour de récréation de son école. Reconfigurant sans cesse son croquis, elle y délimite différentes zones d'exclusion, grands carrés, petits cercles, enclos sportifs à contourner: autant de limites sans cesse débordées par les garçons. De quotidien, le problème s'entend de plus en plus comme une dynamique à l'œuvre entre les sexes, la cour s'offrant en microcosme. Guerre de territoire ? Occupation plutôt... Bientôt l'on s'aperçoit que les filles ne sont pas seulement assignées à des zones congrues de la cour, mais bel et bien sommées d'être invisibles.

Espace

Dans sa maison de la campagne bretonne, Yann tente d&rsquo;aller au bout de ses projets d&rsquo;art, d&rsquo;artisanat, de plantation... La cin&eacute;aste Claire Glorieux essaie de comprendre ce que signifie cette difficult&eacute; &agrave; terminer&nbsp;: un attachement aux objets et aux souvenirs, un anticapitalisme un peu punk, ou le d&eacute;sir d&rsquo;un chemin sans fin&nbsp;?
Yann a pour projet de fabriquer une bourse en peau. Cela ne date pas d&rsquo;aujourd&rsquo;hui&nbsp;: il en a d&eacute;j&agrave; laiss&eacute; moisir deux. Yann voudrait aussi transformer des lattes de bois en b&acirc;tonnets de construction pour sa fille&hellip; Et puis il doit d&eacute;velopper une pellicule depuis dix ans, sans parler de ces balles en plastique, r&eacute;cup&eacute;r&eacute;es mais pas utilis&eacute;es, ou de son tatouage, esquiss&eacute; sur son bras, jamais fini.
Avec douceur, Claire Glorieux filme Yann alors qu&rsquo;il sculpte, plante, emm&egrave;ne son enfant &agrave; la cr&egrave;che. Elle dialogue avec lui et trouve sa place dans la maisonn&eacute;e. La cin&eacute;aste et plasticienne apporte &eacute;galement ses propres bricolages de papier. Manipul&eacute;s par Yann, ils deviennent les supports d&eacute;licats de son r&eacute;cit. Des feuilles d&rsquo;arbres dessin&eacute;es ou une maison miniature permettent de rappeler tout ce que Yann a d&eacute;j&agrave; accompli avec sa compagne, Vanessa. Des jouets en forme d&rsquo;animaux &eacute;voquent avec po&eacute;sie le poids d&rsquo;un m&eacute;tier subi, et la place d&rsquo;une petite fille dans le quotidien. Ce go&ucirc;t pour les cr&eacute;ations &eacute;ph&eacute;m&egrave;res, partag&eacute; par la cin&eacute;aste et son personnage, raconte le d&eacute;sir farouche de vivre en harmonie avec son environnement et dans une libert&eacute; proche de l&rsquo;enfance.
Dans le cadre contraint d&rsquo;un film de quinze minutes &eacute;crit, r&eacute;alis&eacute; et mont&eacute; en trois semaines de r&eacute;sidence &agrave; Mellionnec, Claire Glorieux parvient avec humilit&eacute; et inventivit&eacute; &agrave; brosser le portrait subtil d&rsquo;un homme attachant. Par petites touches et sans perdre de vue son sujet, elle donne une grande profondeur &agrave; son personnage. Le cheminement, les doutes et les r&ecirc;ves de Yann en deviennent universels.

C'est pas fini mais presque

E&iuml;di est une adolescente pleine de vie, ind&eacute;pendante et autonome. Parfois, elle se sent diff&eacute;rente des autres, hors norme&hellip; Alors elle se r&eacute;fugie ailleurs, dans d&rsquo;autres espaces qui, peut-&ecirc;tre, n&rsquo;existent que dans ses pens&eacute;es.
Ce portrait de Mellionnec est un petit bijou sensible. Dans ce coming of age, autrement dit film d'apprentissage, E&iuml;di, 14 ans, s&rsquo;adresse au monde &agrave; la premi&egrave;re personne. Dans une voix susurr&eacute;e, elle raconte son histoire, ses r&ecirc;ves, ses sensations. La jeune fille filme &eacute;galement son environnement avec une cam&eacute;ra Super 8&nbsp;: les fleurs, les arbres, la vue depuis sa fen&ecirc;tre. Ainsi, le partage de ses images et de ses mots forme un (auto)portrait r&eacute;alis&eacute; &agrave; plusieurs mains avec Emmanuel Piton et l&rsquo;&eacute;quipe de Mellionnec.
Emmanuel Piton, cin&eacute;aste et enseignant en cin&eacute;ma, s&rsquo;investit dans le cin&eacute;ma exp&eacute;rimental et documentaire dans son travail, diffus&eacute; par Light Cone ou le Vid&eacute;ographe. En 2014, il fonde &agrave; Rennes le Labo K, un laboratoire d&rsquo;exp&eacute;rimentation d&eacute;di&eacute; &agrave; la pratique du cin&eacute;ma argentique. Ce n&rsquo;est donc pas un hasard si nous d&eacute;couvrons E&iuml;di perch&eacute;e aux plus hautes branches d&rsquo;un arbre, dans un magnifique 16mm en noir et blanc. L&rsquo;image, fluide, un peu floue, semble correspondre &agrave; la nature sauvage et rebelle d&rsquo;E&iuml;di, &eacute;loign&eacute;e des adolescentes &laquo; lisses &raquo; de son &acirc;ge. Depuis toute petite, E&iuml;di veut parcourir le monde en sac &agrave; dos&nbsp;; &agrave; ses onze ans, sa famille part sur la route et vit un an et demi de vagabondage sans horaires. Autant dire qu&rsquo;il lui est difficile de s'accommoder du coll&egrave;ge, de rentrer dans le moule scolaire et social et de se conformer dans le collectif. E&iuml;di, ne s&rsquo;int&eacute;ressant ni aux produits cosm&eacute;tiques ni aux s&eacute;ries t&eacute;l&eacute;, mais aux voyages et &agrave; la libert&eacute;, se d&eacute;tache petit &agrave; petit des autres adolescent&middot;es.
Le film donne &agrave; voir son parcours physique et mental, cahotant et chaotique, dans la nature bretonne&nbsp;: la for&ecirc;t, ses cailloux et ses rivi&egrave;res. Au sein de cette exp&eacute;rience fusionnelle avec la nature, comme plong&eacute;e dans un bain sensoriel de chants d&rsquo;oiseaux et de bruissements du vent dans les branches, E&iuml;di, la d&eacute;esse des mers sort des eaux profondes et part &agrave; la conqu&ecirc;te de son avenir, sur terre. Esp&eacute;rons qu&rsquo;elle rencontrera vite des pairs.

Eïdi

Claire est artiste &agrave; Mellionnec, en Bretagne. Ses journ&eacute;es sont remplies et organis&eacute;es, rythm&eacute;es par le travail &agrave; l&rsquo;atelier et les id&eacute;es qui fourmillent. Pour une personnalit&eacute; enti&egrave;re comme elle, y a-t-il une autre fa&ccedil;on satisfaisante de vivre&nbsp;?
Claire travaille intens&eacute;ment &agrave; donner forme. &Agrave; la mati&egrave;re d&rsquo;abord, qu&rsquo;elle mod&egrave;le et caresse de ses mains&nbsp;; &agrave; la musique ensuite, quand ses doigts courent sur le piano&nbsp;; &agrave; ses id&eacute;es enfin, qui fourmillent en cascades de mots et de gestes. Arnaud Le Hesran la filme ainsi, sans cesse en mouvement. Claire s&rsquo;agite, elle h&eacute;site, r&eacute;fl&eacute;chit, parfois se trompe. Ses mains qui virevoltent t&eacute;moignent de sa recherche perp&eacute;tuelle. Le cliquetis de ses bracelets, la glaise qui s&rsquo;abat bruyamment sur la table et sa voix qui doute rythment sa pens&eacute;e en marche.
La discipline quotidienne de Claire est joyeuse et dr&ocirc;le, &agrave; son image (bien observer le plan qui la montre lisant dans son jardin). Envisager sa pratique comme un artisanat lui conf&egrave;re une lumineuse humilit&eacute;. Simultan&eacute;ment, explique-t-elle, cette rigueur la maintient en mouvement&nbsp;; elle l&rsquo;&eacute;loigne de l&rsquo;ab&icirc;me o&ugrave; pourrait s&rsquo;engloutir sa solitude d&rsquo;artiste.
Car l&rsquo;atelier o&ugrave; Claire passe ses journ&eacute;es oscille entre abri et prison&nbsp;; sa vie en harmonie avec son milieu r&eacute;sulte d&rsquo;un &eacute;quilibre fragile. C&rsquo;est l&rsquo;art qui donne du sens &agrave; cette qu&ecirc;te existentielle. Lorsque Claire chante, sa voix emplit l&rsquo;espace avec puissance et douceur. Lorsqu&rsquo;elle rev&ecirc;t un costume qu&rsquo;elle a cr&eacute;&eacute;, et d&eacute;ambule &agrave; travers une prairie, elle se fond dans son environnement avec une incroyable po&eacute;sie. Et tout s&rsquo;apaise.

Faire corps

Jean-Luc, producteur de lait &agrave; Mellionnec, pr&eacute;pare des vacances en famille, &eacute;v&eacute;nement rare et bien ficel&eacute;, g&eacute;n&eacute;rant son lot d&rsquo;angoisses. L&rsquo;occasion pour lui de faire un pas de c&ocirc;t&eacute; afin de se rem&eacute;morer ses d&eacute;buts en tant que paysan et sa vision de la vie.
Les portraits d&rsquo;habitant&middot;es de Mellionnec permettent de s&rsquo;approcher au plus pr&egrave;s de la vie rurale bretonne, des savoir-faire et des m&eacute;tiers de la campagne. Ici, Arsin&eacute;e Andr&eacute;, elle-m&ecirc;me agricultrice dans une ferme collective du Limousin en plus d&rsquo;&ecirc;tre documentariste, brosse le portrait de Jean-Luc, un producteur de lait install&eacute; &agrave; son compte depuis une dizaine d&rsquo;ann&eacute;es. En le filmant en action dans les champs et dans la salle de traite avec Olga ou Libellule, et surtout dans sa relation apais&eacute;e et joyeuse avec son &eacute;pouse et ses jeunes enfants, Arsin&eacute;e Andr&eacute; nous livre un portrait de paysan assez inhabituel.
Loin des cadences infernales, de l'essoufflement quotidien, des conflits familiaux et du poids des dettes engrang&eacute;es, nous vivons avec Jean-Luc une p&eacute;riode relativement calme pr&eacute;c&eacute;dant une courte pause. Jean-Luc part en vacances en famille, cong&eacute; bien m&eacute;rit&eacute; pour ce travailleur qui doit traire son troupeau &laquo;&nbsp;deux fois par jour, 365 jours par an&nbsp;&raquo;, mais &eacute;galement redout&eacute;, car l&rsquo;id&eacute;e que cela puisse mal se passer en son absence fait monter son angoisse d&rsquo;heure en heure.
Avec une certaine sensualit&eacute; et une grande simplicit&eacute; dans son approche, la r&eacute;alisatrice propose un film fid&egrave;le &agrave; son personnage&nbsp;: apais&eacute;, ancr&eacute; dans le faire, porteur d&rsquo;une certaine philosophie de l'existence et d&rsquo;une v&eacute;ritable passion pour la terre et les b&ecirc;tes.

Hors champs

Les &eacute;preuves de la vie ont forg&eacute; le caract&egrave;re d&rsquo;Isabel. Apr&egrave;s sa s&eacute;paration avec le p&egrave;re de sa fille, Isabel raconte l&rsquo;engrenage insidieux de la violence conjugale. Aujourd&rsquo;hui, sa maison est un chantier &agrave; ciel ouvert, o&ugrave; elle se reconstruit peu &agrave; peu.
Cin&eacute;aste originaire du Chili, install&eacute; &agrave; Lango&euml;lan dans le centre de la Bretagne, &agrave; quelques kilom&egrave;tres de Mellionnec, Benjamin Brunet filme le chantier d&rsquo;Isabel comme m&eacute;taphore de sa r&eacute;silience. Sa confession &eacute;pouse ainsi le temp&eacute;rament d&rsquo;une femme toujours en mouvement, se reconstruisant dans les gestes du quotidien. &laquo;&nbsp;La meilleure d&eacute;cision de sa vie&nbsp;&raquo;, juge-t-elle r&eacute;trospectivement, apr&egrave;s des ann&eacute;es &agrave; &ecirc;tre manipul&eacute;e, enferm&eacute;e dans la suspicion et le harc&egrave;lement.
La forme indirecte du r&eacute;cit m&eacute;nage l&rsquo;intimit&eacute;. Le film donne &agrave; voir une maison et un jardin qu&rsquo;elle transforme pour donner corps &agrave; un avenir qui lui ressemble. Sur les lieux m&ecirc;mes de sa vie ab&icirc;m&eacute;e, sa solitude devient une libert&eacute; qu&rsquo;elle conquiert petit &agrave; petit, &agrave; force de t&eacute;nacit&eacute;.

Isabel

Accueil LYD

Ni Dieu ni Père

Nouveautés

Les yeux doc

René Vautier (1928-2015) : le cinéma des « sans voix »

Sélection

Ateliers Varan : génération Bangui

Ateliers Varan : génération Bangui

Une collection musicale avec la 3e Scène de l’Opéra de Paris

Sélection

Jeune public : primaires

Jeune public : primaires

Portraits de Mellionnec : la Bretagne sur Les yeux doc