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En 2020, Maxime fait un séjour en hôpital psychiatrique. Très vite, des rencontres avec d’autres patient·es adviennent, douces, surprenantes. À l’issue de ce séjour, Maxime propose à son ami Guillaume, peintre, et schizophrène, de convoquer leurs figures. L’un raconte, l’autre peint.On peut redouter qu’un film, surtout s’il s’agit d’un premier et qu’il est du genre personnel avec voix off, s’ouvre avec des images en super 8. C’est très avantageux, ça fait cinéma, ça vous fabrique de la mélancolie en un claquement de doigts. Le film de Maxime Garault lève très vite ce doute, quand ce qui n’était qu’un préambule laisse place au film et à une idée plus haute du cinéma. C’est d’ailleurs ce que dit ce véritable début, avec un plan qu’on voit se fabriquer de l’intérieur. L’unique personnage du film, qui est sur le point d’être filmé, se lève pour fermer un store, ouvrir une fenêtre, régler quelques trucs puis demander au réalisateur (mais en regardant la caméra) ce que ça donne, comme lumière&nbsp;: bref, le personnage fabrique le plan avec le cinéaste, et c’est un genre de profession de foi, une façon de se montrer comme des apprentis travaillant à faire du cinéma – ce qui vaut toujours mieux que faire cinéma.Cela n’empêche pas que, devant Sa rafale, on pense plus d’une fois à tel film ou tel cinéaste du temps jadis (les années 70, beaucoup), dans le même genre humble, artisanal et esthète. À cause, par exemple, d’une manière de faire vivre par des silences très riches (souvent juste quelques oiseaux lointains, à travers une fenêtre ouverte hors champ), des cadres minutieusement composés&nbsp;: il suffit qu’un plan montre un bout de plage depuis un balcon et on est parachuté chez Duras ou bien Rohmer (sans compter la typographie des cartons). Il y a aussi une raison plus directe&nbsp;: derrière cette collaboration cinéaste/personnage, on reconnaîtra une discrète et noble tradition (parmi d’autres&nbsp;: Shirley Clarke). Ce qu’il y a de très beau ici, c’est que ce vœu d’humilité collaborative est suivi au point que chacun, pour donner vie au film, est tenu de faire deux choses&nbsp;: tandis qu’il réalise, le réalisateur doit aussi raconter&nbsp;; tandis qu’il fait le personnage, le personnage peint (ce que le réalisateur raconte) pour donner des images au film. Le travail paye&nbsp;: Sa rafale fait du cinéma avec un talent devenu rare.[Jérôme Momcilovic, Cinéma du réel, Bibliothèque publique d'information (Bpi), Paris, 2025]

Sa rafale

Sous la ville de Las Vegas et son avenue des casinos, le célèbre strip, serpente un réseau tentaculaire d’évacuation des eaux pluviales. Environ 2 000 personnes survivraient dans ce labyrinthe de béton, dans la pénombre vacillante des éclairages de fortune.Jean-Baptiste Thoret est critique et historien du cinéma. Après We Blew It («&nbsp;Nous avons tout gâché&nbsp;»), un premier film sur les traces de l’Amérique des années 1960 qui rêvait de changer le monde mais a fini par voter Trump, le cinéaste pratique avec The Neon People une forme d’urbex (exploration urbaine), à la rencontre d’une poignée des 770 000 sans-abris recensé·es dans le pays en 2024 par l’administration fédérale.Sa camera obscura dévoile un paysage évanescent aux couleurs crues, double inversé et souterrain des grandioses paysages popularisés par le cinéma américain, pour éclairer la cruelle réalité de l’extrême pauvreté aux États-Unis. Le labyrinthe de béton canalise les pluies torrentielles qui peuvent s’abattre sur le désert de Mojave, où a été construite ex nihilo la fameuse ville du Nevada. Vitrine clinquante du mirage de l’argent pour tous·tes, Las Vegas hante elle aussi le cinéma hollywoodien. Le contraste est ici saisissant entre le pays de Cocagne et l’envers du décor.Contrairement au New York des bas-fonds mise en scène par Samuel Fuller dans Underground USA, le «&nbsp;peuple des néons&nbsp;» est une cohorte d'invisibles, caché·es le jour, réduit·es à la mendicité la nuit. Mais à l’instar du trailer park filmé par Gianfranco Rosi dans Below Sea Level, Brandi, Jerry, Scott, Tony et les autres forment une communauté précaire. Leurs récits d’outre-tombe délivrent une réflexion sur le sens de la vie arrachée à sa misère, autant que la cartographie fragmentaire d’une caverne, à tout moment menacée de submersion.Les résident·es des interstices de la City of Light ne sont pas réduit·es pour autant à des allégories de la misère. Au contraire, chacun·e porte sa vie à bout de bras, envers et contre tout. Avec un sens aigu de la fraternité et de l’amour, loin du regard des autres, elles et ils confient dans leur écrin obscur, leur solitude, leurs tourments, leurs espoirs empêchés. Jean-Baptiste Thoret les filme en chemin vers le chaos du monde, dans lequel rien n’est jamais joué d’avance. En les sublimant par les musiques de sa composition, le cinéaste parvient pendant un court moment à restaurer toute leur dignité.[Julien Farenc, Bibliothèque publique d'information (Bpi), Paris, 2026]

The Neon People

Avec l’indépendance du Congo en toile de fond, le film associe vague d’indépendance africaine, mouvement des droits civiques aux États-Unis et guerre froide, avec l’arme la moins conventionnelle des États-Unis : le jazz. Jazz et politique s’entremêlent dans le nouveau film de l’artiste Johan Grimonprez (auteur de Dial H-I-S-T-O-R-Y, 1997), qui documente un épisode international complexe et trouble de la guerre froide et de la décolonisation. À travers un montage galvanisant d’archives nombreuses, ce récit particulièrement dense et fouillé raconte notamment comment des musiciens tels que Louis Armstrong ou Nina Simone furent envoyés à travers le monde par des façades de la CIA pour distraire l’opinion publique des manœuvres secrètes pour contrecarrer l’union des nations africaines nouvellement indépendantes. Il raconte comment une force de paix telle que l’Organisation des Nations Unies est devenue un agent de déstabilisation après l’entrée de seize nations africaines qui rééquilibrait le rapport de forces en faveur de l’idée d’États Unis d’Afrique autour de la figure de Patrice Lumumba. La recherche de Grimonprez s’ancre dans l’accord secret passé entre Churchill, Eisenhower et l’état belge sur une option sur tout l’uranium découvert dans les mines congolaises, nécessaires au maintien de la dissuasion nucléaire américaine. Concrétisée trois jours avant l’indépendance du Congo par la privatisation de l’Union minière du Haut-Katanga, elle a mené à l’assassinat de Lumumba. Cette histoire de la remise en cause de l’autodétermination africaine est racontée du point de vue d’Andrée Blouin, militante des droits des femmes et politicienne de la République centrafricaine, du diplomate irlandais Conor Cruise O’Brien, de l’écrivain belgo-congolais In Koli Jean Bofane et de Nikita Khrouchtchev. [Antoine Thirion, Cinéma du réel, Bibliothèque publique d'information (Bpi), Paris, 2024]

Soundtrack to a Coup d'Etat

Paul Kermadec a été abandonné par son père à quatre ans. C’est donc un moteur de recherche qui a répondu à ses interrogations d’adolescent. Désormais jeune adulte, Paul se tourne vers une intelligence artificielle pour construire un simulacre de relation paternelle. De cette expérience, il tire un desktop movie de onze minutes, qui évoque notre relation intime à Internet et ce que l’on fantasme des liens familiaux.Qu’est-ce qu’un père&nbsp;? Un modèle masculin, pour Paul Kermadec&nbsp;: celui qui apprend à son fils à bricoler ou se raser. Adolescent, le cinéaste substitue à cette figure absente des tutoriels glanés sur les plateformes vidéo, et une bande de copains affichée sur les réseaux sociaux. Un père témoigne aussi de l’affection. L’intelligence artificielle prend alors le relais. Après lui avoir adressé le prompt adéquat, Paul peut lui raconter sa journée, et attendre une réponse attendrie ou une relance curieuse. C’est, enfin, une personne avec qui partager des expériences et des souvenirs. Le récit décrit dès lors la construction d’une relation virtuelle, fondée sur un passé imaginaire et des photographies en images de synthèse.Ni Dieu ni Père évoque ainsi le substitut relationnel qu’est devenu Internet pour la moitié de la population mondiale. Entre communautés et solitude, on s’y affiche, on y cherche des informations et on y discute de ce dont on ne peut pas parler ailleurs. Dans ce desktop movie, un film qui se raconte entièrement à travers l’écran d’un ordinateur, le récit adopte d’ailleurs le rythme soutenu d’une conversation à bâtons rompus entre le narrateur et la machine. Pour se sentir exister dans ce miroir aux alouettes informatique, Paul nourrit l’algorithme de ses données personnelles et le modèle à son image.La relation que le cinéaste construit devient ainsi le fantasme d’un lien familial idéalisé. Les traits et les fonctions qu’il prête à son père reflètent certains attributs qu’une société hétéro-patriarcale réserve aux hommes. Ils racontent aussi un manque qui déborde l’absence&nbsp;: les rapports francs et affectueux que Paul Kermadec imagine sont ceux que de nombreux enfants voudraient nouer avec leur père, même présent. C’est bien ce qu’affirme Ni Dieu ni Père&nbsp;: cette figure idéale n’existe pas. Pourtant, la véritable absente du récit est finalement la mère, effacée du schéma familial au profit d’un déserteur.Ce premier film, réalisé alors que Paul Kermadec est étudiant à l’École nationale supérieure d’art de Paris Cergy, a été nommé aux César du meilleur court métrage documentaire en 2026.[Marion Carrot, Bibliothèque publique d'information (Bpi), Paris, 2026]

Ni Dieu ni Père

En 2016, le film Un village de Calabre (Un paese di Calabria) racontait la renaissance de Riace, un village calabrais d’abord vidé par l'exode rural et repeuplé grâce à l'accueil de réfugié·es kurdes échoué·es sur ses côtes. Sept ans après, les deux cinéastes reviennent pour filmer le revers&nbsp;: Un village en résistance (Un paese di resistenza) raconte l'acharnement judiciaire qui a visé Domenico Lucano, maire de Riace pendant quatorze ans, désormais poursuivi pour sa politique d'accueil des personnes exilées.Dans les ruelles étroites de Riace, Daniel, réfugié originaire du Ghana, faisait la collecte des ordures à dos d'âne. Cette tâche, encore précédemment aux mains de la 'Ndrangheta, organisation mafieuse de Calabre, est désormais organisée par la coopérative locale L’Aquilone. Cela situe les transformations profondes de cette commune sur les trente dernières années. Depuis l'échouage en 1998 d'une embarcation transportant des réfugié.es kurdes, le petit village de deux mille habitant.es de Riace avait fait de l'accueil des exilé·es une politique de revitalisation à part entière. En rouvrant l'école et les commerces et en ouvrant des ateliers de céramique et de tissage, il était devenu un modèle politique international. Domenico Lucano, maire depuis 2004, en était la figure centrale, et le film en fait aussi son héros, suivant sa trajectoire, qui s’entremêle à celle du village.Face à la lumière chorale du premier volet, la mise en scène de Shu Aiello et Catherine Catella se fait maintenant plus sombre et plus statique, à l'image de la communauté du village qui retient son souffle. En juin 2018, l'arrivée de Matteo Salvini au ministère de l'Intérieur italien et sa politique des «&nbsp;ports fermés&nbsp;» change la donne pour Riace, désormais érigée en repoussoir. Lucano est arrêté en octobre, assigné à résidence, interdit de séjour dans son propre village et destitué de ses fonctions de maire. Le film raconte ce moment de bascule à la manière d’une fable amère&nbsp;: l'homme qui avait démontré qu'une politique d'accueil pouvait relancer un territoire devient, du jour au lendemain, la cible de l’État.En 2021, le tribunal de Locri le condamne à treize ans et deux mois de prison, pour association de malfaiteurs, escroquerie et abus de pouvoir, une peine à la mesure de celles réservées aux cadres des organisations mafieuses. Que la cour d'appel ait abandonné de nombreux chefs d’accusation en 2023, le tournage étant déjà terminé, ne change rien à ce qu’Un village en résistance aura montré entre-temps&nbsp;: une administration peut méthodiquement démanteler un modèle de solidarité qui, pourtant, fonctionnait.[Antoine Derville, Bibliothèque publique d'information (Bpi), Paris, 2026]

Un village en résistance

En R&eacute;publique centrafricaine, on les appelle &laquo;&nbsp;Boyi-Biyo&nbsp;&raquo;, ou double poumon&nbsp;: ce sont les pousseurs de viande. Chaque matin, ils attendent &agrave; l'abattoir qu'on remplisse leur pousse de grands quartiers de viande avant de courir &agrave; travers la ville jusque chez leur patron boucher. Shilo est l'un d'eux. Il court, il court. Il a un r&ecirc;ve&nbsp;: gagner le marathon de Bangui.
Double poumon (Boyi-Biyo) pr&eacute;sente dans le d&eacute;tail la p&eacute;nible activit&eacute; professionnelle d&rsquo;un jeune travailleur &agrave; Bangui, en R&eacute;publique centrafricaine. En suivant les pr&eacute;ceptes formels caract&eacute;ristiques des Ateliers Varan, &agrave; savoir une approche d&rsquo;observation du r&eacute;el dans la dur&eacute;e, Anne-Bertille Ndeysseit Vopiande suit attentivement le quotidien de Shilo, dont la mission consiste &agrave; &laquo; pousser la viande &raquo; sur un chariot de fortune. De l&rsquo;abattage de la b&ecirc;te jusqu&rsquo;aux &eacute;tals du march&eacute;, chaque geste est auscult&eacute; : d&eacute;coupage, transport, pose des morceaux. Entre son point de d&eacute;part et la livraison, Shilo traverse la cit&eacute; en courant pieds nus dans la terre battue.
Le jeune homme aspire &agrave; mieux et surtout consid&egrave;re son travail comme un entra&icirc;nement pour le marathon de Bangui. Quelles sont ses chances de percer dans le monde de la course et &agrave; quel point ce projet ressemble-t-il &agrave; une chim&egrave;re ? Ce r&ecirc;ve ne convainc ni son &eacute;pouse ni ses ami&middot;es que l&rsquo;on rencontre avec Shilo lors de sc&egrave;nes de la vie courante, tous et toutes plus pragmatiques que lui. Ainsi, Double poumon (Boyi-Biyo)&nbsp;pr&eacute;sente surtout le manque d&rsquo;opportunit&eacute;s d&rsquo;une g&eacute;n&eacute;ration, peinant &agrave; faire subsister sa famille et se tournant vers la religion ou des fantasmes de succ&egrave;s pour att&eacute;nuer ses souffrances.

Double poumon

Em&eacute;lie est une jeune &eacute;tudiante enceinte de presque huit mois. Elle partage une minuscule pi&egrave;ce de vie avec son compagnon Agogo. Avec sa crini&egrave;re blonde, le jeune homme sillonne &agrave; taxi-moto les rues encombr&eacute;es de Bangui, en R&eacute;publique centrafricaine, pour subvenir aux besoins de sa future famille.
Jeunes, branch&eacute;s et amoureux, ils parlent d&rsquo;amour et r&ecirc;vent d&rsquo;une vie comme dans les s&eacute;ries am&eacute;ricaines. Mais Em&eacute;lie et Agogo n&rsquo;ont pas tout &agrave; fait les moyens de leurs r&ecirc;ves, car seul Agogo travaille pour le moment &agrave; leur subsistance, la jeune fille poursuivant des &eacute;tudes. En d&eacute;pit de leur pr&eacute;carit&eacute; et des incertitudes, la grossesse avance et la visite chez le gyn&eacute;cologue r&eacute;serve une belle surprise&hellip;
Film&eacute; avec une rare proximit&eacute;, Toi et moi est le r&eacute;cit intime d&rsquo;un amour insulaire, loin des solidarit&eacute;s et des pressions familiales. Em&eacute;lie et Agogo construisent ensemble une famille depuis leur petite chambre, sans toutefois en prendre pleinement conscience. C&rsquo;est notamment le cas d&rsquo;Agogo, souvent rappel&eacute; &agrave; ses nouvelles responsabilit&eacute;s. Em&eacute;lie annonce vouloir cinq enfants et leur parcours &agrave; deux commence.
N&eacute; en 1997 &agrave; Kivu en R&eacute;publique d&eacute;mocratique du Congo et immigr&eacute; en Centrafrique, Rafiki Fariala est d'abord slameur. &Agrave; tout juste 20 ans, il est s&eacute;lectionn&eacute; pour participer &agrave; l'atelier de r&eacute;alisation documentaire Varan &agrave; Bangui. Ce tout premier film documentaire Mbi na Mo (Toi et moi), a &eacute;t&eacute; pr&eacute;sent&eacute; dans de nombreux festivals, dont le prestigieux FIPADOC &agrave; Biarritz. En 2022, Rafiki Fariala r&eacute;alise son premier long m&eacute;trage documentaire Nous, &eacute;tudiants&nbsp;!, r&eacute;compens&eacute; en 2022 au Cin&eacute;ma du r&eacute;el par le Prix des Biblioth&egrave;ques et en 2025, il r&eacute;alise son premier long m&eacute;trage de fiction, CONGO BOY. Le film est pr&eacute;sent&eacute; en s&eacute;lection Un Certain Regard au Festival de Cannes 2026, avant de remporter de nombreux prix en festivals &agrave; travers le monde.

Toi et moi

Jefferson est ce qu'on appelle &agrave; Bangui un &laquo;&nbsp;docta&nbsp;&raquo;, un agent de sant&eacute; qui exerce la m&eacute;decine sans dipl&ocirc;me. Alors que le Minist&egrave;re de la Sant&eacute; centrafricain cherche &agrave; r&eacute;glementer la vente de m&eacute;dicaments, Jefferson traverse une crise de conscience. Son activit&eacute; est-elle dangereuse pour ses patient&middot;es&nbsp;? Doit-il abandonner&nbsp;? Mais alors, comment nourrira-t-il sa famille&nbsp;?
Dans sa minuscule &eacute;choppe, portant fi&egrave;rement sa blouse blanche, Jefferson n&rsquo;est pas un simple revendeur de m&eacute;dicaments. Il prend la tension, la temp&eacute;rature, conseille aux patient&middot;es d&rsquo;aller faire des analyses, et administre les traitements contre le paludisme avec dext&eacute;rit&eacute;. Mais Jefferson n&rsquo;est ni m&eacute;decin, ni pharmacien. Or, le gouvernement de la R&eacute;publique centrafricaine a d&eacute;cid&eacute; d&rsquo;interdire les pharmacies comme la sienne, dont l&rsquo;activit&eacute; est dangereuse pour la population. Mis en garde par les autorit&eacute;s, Jefferson informe son associ&eacute; qu&rsquo;il compte arr&ecirc;ter.
Chez lui aussi, la vie est rude. Sa compagne lui reproche de ne pas &ecirc;tre &agrave; la hauteur. Elle doit abandonner ses &eacute;tudes faute de pouvoir payer les frais de scolarit&eacute;, et elle ne peut offrir &agrave; ses parents les traditionnels cadeaux.
Le cin&eacute;aste Elvis Sabin Nga&iuml;bino suit la prise de conscience de Jefferson. Ce dernier h&eacute;site &agrave; abandonner ses nombreux&middot;ses patient&middot;es, et un m&eacute;tier qui permet de subvenir aux besoins de sa famille, mais craint de &laquo;&nbsp;tuer sans s&rsquo;en rendre compte&nbsp;&raquo;. Jefferson aspire aussi &agrave; voyager pour gagner des comp&eacute;titions sportives de tir &agrave; l&rsquo;arc, sport dans lequel il excelle. Une autre mani&egrave;re de rapporter de l&rsquo;argent car c&rsquo;est bien dans son pays que Jefferson veut vivre pour y &laquo;&nbsp;apporter la connaissance&nbsp;&raquo;.
Docta Jefferson est le premier film d&rsquo;Elvis Sabin Nga&iuml;bino, r&eacute;alis&eacute; dans le cadre de l&rsquo;atelier Varan &agrave; Bangui en 2017. Il r&eacute;alise ensuite Makongo en 2019, puis Le Fardeau en 2023, longs m&eacute;trages qui voyagent dans de nombreux festivals dont Cin&eacute;ma du R&eacute;el. Fort de ces exp&eacute;riences, Elvis Sabin Nga&iuml;bino a cr&eacute;&eacute; avec ses anciens formateurs devenus partenaires, <a href="https://www.ateliersvaran.com/fr/reseau/annuaire/daniele-incalcaterra_156">Daniele Incalcaterra</a> et Boris Lojkine, Makongo Films, la toute premi&egrave;re soci&eacute;t&eacute; de production de films en R&eacute;publique centrafricaine.

Docta Jefferson

Une dizaine de citadins partent quelques jours en for&ecirc;t pour chasser l&rsquo;orignal&hellip; Si l&rsquo;attrait de la pr&eacute;dation cimente le groupe, camaraderie et humiliation se confondent bient&ocirc;t. Une immersion intense, dr&ocirc;le et fascinante au sein d&rsquo;une vir&eacute;e virile, pour un classique du cin&eacute;ma qu&eacute;b&eacute;cois sign&eacute; Pierre Perrault.
Pour d&eacute;busquer l&rsquo;orignal (c&rsquo;est-&agrave;-dire l&rsquo;&eacute;lan), chacun a sa tactique&nbsp;: imiter son cri, se cacher dans les arbres, tirer au fusil&hellip; ou &agrave; l&rsquo;arc. Il y a les esth&egrave;tes d&rsquo;un c&ocirc;t&eacute;, les pragmatiques de l&rsquo;autre. Ceux pour qui la chasse repr&eacute;sente un retour &agrave; la nature quasi-mythologique, ceux pour qui elle est une tradition familiale. Tous ces hommes blancs, qui ont laiss&eacute; &eacute;pouse et enfants pour passer quelques jours en for&ecirc;t, ont en commun le d&eacute;sir de dominer. Dans les bois humides qu&rsquo;arpentent les amis le jour et dans la cabane enfum&eacute;e o&ugrave; ils se replient la nuit, la pr&eacute;dation prend donc de nombreux visages&nbsp;: &eacute;thylisme, r&eacute;gime carnivore, vulgarit&eacute;, humour homophobe et sexiste, accaparement de l&rsquo;espace et de la parole, harc&egrave;lement&hellip;
Et pourtant, La B&ecirc;te lumineuse raconte bien davantage. Pierre Perrault nous immerge au milieu du groupe, dans la for&ecirc;t ou dans une modeste pi&egrave;ce commune. Nous voil&agrave; pris&middot;es &agrave; parti dans les confidences, les mauvais tours, les discussions. Tour &agrave; tour, on rit et on s&rsquo;offusque, on compatit et l&rsquo;on est d&eacute;go&ucirc;t&eacute;&middot;e. L&rsquo;odeur de l&rsquo;humus et de la sueur nous chatouille presque le nez, le froid du dehors et la chaleur du four rougissent quasiment nos joues. Nous faisons partie de cette humanit&eacute; imparfaite qui, tout en convoquant les codes violents de la meute virile, cherche &agrave; cr&eacute;er du commun.
Pierre Perrault a lui aussi les pieds dans la boue, le regard &agrave; l&rsquo;aff&ucirc;t, et vit au rythme du groupe. Sa cam&eacute;ra ne se fait pas oublier&nbsp;: elle est le th&eacute;&acirc;tre des &eacute;changes, incitant &agrave; la mise en sc&egrave;ne de soi et aux d&eacute;bordements. Le c&eacute;l&egrave;bre cin&eacute;aste canadien assume son regard sur les uns et les autres, par un montage rapide ou, &agrave; l&rsquo;inverse, en &eacute;tirant les s&eacute;quences. C&rsquo;est &agrave; travers son &oelig;il parfois amus&eacute;, toujours empathique, que l&rsquo;on s&rsquo;attache aux acteurs de cette com&eacute;die humaine. En plus de t&eacute;moigner d&rsquo;une relation au territoire qu&eacute;b&eacute;cois, &agrave; son histoire et &agrave; sa mythologie, La B&ecirc;te lumineuse manifeste ainsi ce qu&rsquo;est le cin&eacute;ma documentaire pour son r&eacute;alisateur&nbsp;: &ecirc;tre avec celles et ceux que l&rsquo;on filme, et comprendre ce qui nous lie.

La Bête lumineuse

En 1961, Pierre Perrault, Michel Brault et Marcel Carri&egrave;re se rendent &agrave; l&rsquo;Isle-aux-Coudres, une &icirc;le du fleuve Saint-Laurent, pour filmer la relance d&rsquo;une p&ecirc;che ancestrale aux b&eacute;lugas abandonn&eacute;e depuis des d&eacute;cennies. Ce projet de l&rsquo;Office national du film du Canada d&eacute;passe vite son ambition ethnographique&nbsp;: plut&ocirc;t que d&rsquo;ouvrir un livre d&rsquo;histoire, il donne &agrave; une communaut&eacute; rurale isol&eacute;e les moyens d&rsquo;&eacute;crire elle-m&ecirc;me sa propre histoire.
Les habitants de l&rsquo;&icirc;le plantent des pieux dans la vase &agrave; mar&eacute;e basse afin d&rsquo;y pi&eacute;ger les b&eacute;lugas (appel&eacute;s ici &laquo;&nbsp;marsouins&nbsp;&raquo;). Cette fa&ccedil;on de p&ecirc;cher, abandonn&eacute;e depuis presque quarante ans et dont seuls les plus vieux se souviennent, est relanc&eacute;e &agrave; l&rsquo;initiative des cin&eacute;astes eux-m&ecirc;mes, qui ont convaincu la communaut&eacute; d&rsquo;organiser la p&ecirc;che pour le film. Mais l&rsquo;essentiel du film est ailleurs&nbsp;: r&eacute;unions collectives, veill&eacute;es, apprentissage entre g&eacute;n&eacute;rations occupent bien plus de place que les s&eacute;quences sur le fleuve. Tous y participent, des enfants aux vieillards, du chantre d&rsquo;&eacute;glise au cultivateur. La langue de l&rsquo;&icirc;le, un parler h&eacute;rit&eacute; des premiers colons fran&ccedil;ais, semble &agrave; l&rsquo;origine de tout&nbsp;: chaque souvenir, chaque r&eacute;cit est l&rsquo;occasion, par les mots, de ramener ce vieux monde &agrave; la vie.
Michel Brault, qui filme &agrave; l&rsquo;&eacute;paule avec une cam&eacute;ra l&eacute;g&egrave;re &Eacute;clair NPR et des objectifs &agrave; courte focale, en profite pour s&rsquo;approcher des habitant&middot;es. Marcel Carri&egrave;re assure le son avec un Nagra III r&eacute;volutionnaire, qui permet d&rsquo;enregistrer en synchrone sans liaison filaire avec la cam&eacute;ra, et dissimule des microphones sur les v&ecirc;tements des p&ecirc;cheurs pour capter les &eacute;changes informels en plein fleuve. Pierre Perrault, qui vient de la radio, est de tous les rassemblements, toutes les veill&eacute;es, dans les salons et &agrave; l&rsquo;&eacute;glise&nbsp;: les portes lui sont ouvertes, en partie gr&acirc;ce aux liens de sa femme Yolande avec la communaut&eacute; de l&rsquo;Isle-aux-Coudres.
La chasse au marsouin n&rsquo;est finalement peut-&ecirc;tre qu&rsquo;un pr&eacute;texte, et au fil des &eacute;changes, le film prend une dimension philosophique. Il s&rsquo;agit en fait de transmettre. On parle constamment de son &acirc;ge, du temps qu&rsquo;il nous reste, des jeunes dont il serait bon qu&rsquo;ils continuent. Si le ton du film est celui du merveilleux de l&rsquo;enfance et de la dr&ocirc;lerie des anc&ecirc;tres, la question de la mort des uns et de la fin d&rsquo;un monde n&rsquo;est jamais loin. Rigaudons, turlutes, b&eacute;n&eacute;dictions&nbsp;: les traditions (&eacute;tymologiquement &laquo;&nbsp;faire passer &agrave; un autre&nbsp;&raquo;) sont en fait des rituels. &laquo;&nbsp;Les jeunes, il faut qu&rsquo;ils croient&nbsp;&raquo;. &Agrave; l&rsquo;Isle-aux-Coudres, on fait peut-&ecirc;tre cette p&ecirc;che une derni&egrave;re fois, mais on la fait comme elle a toujours &eacute;t&eacute; faite, &laquo;&nbsp;pour la suite du monde.&nbsp;&raquo;
Le film est devenu un incontournable du &laquo;&nbsp;cin&eacute;ma v&eacute;cu&nbsp;&raquo; ou &laquo;&nbsp;ethnofiction&nbsp;&raquo; &agrave; l&rsquo;&eacute;chelle internationale.

Pour la suite du monde

Dans les hauts plateaux boliviens, les habitants et habitantes du village de Tomave cultivent du quinoa et &eacute;l&egrave;vent des lamas. Ils se d&eacute;guisent, chantent et rient pour appeler la pluie et lancent p&eacute;tards et confettis pour la Terre-M&egrave;re. Mais des ing&eacute;nieurs agronomes venus de la ville r&ocirc;dent autour du village, bien d&eacute;cid&eacute;s &agrave; rationaliser les pratiques. C&rsquo;est le pr&eacute;lude d&rsquo;une &eacute;trange mascarade. 
Mascarades s&rsquo;approche au plus pr&egrave;s du travail des agriculteurs boliviens, nous faisant d&eacute;couvrir les contradictions auxquelles ils font face dans l'exercice de leurs activit&eacute;s. Tandis que le gouvernement fait tout pour que leurs pratiques se modernisent, tend &agrave; d&eacute;velopper la fertilisation des sols au nitrate et contr&ocirc;ler les cycles biologiques des animaux domestiqu&eacute;s, les cultivateurs et &eacute;leveurs du petit village de Tomave ne cillent jamais face aux sir&egrave;nes du capitalisme.
Depuis plusieurs g&eacute;n&eacute;rations, ils font vivre leurs champs et leurs b&ecirc;tes, d&ucirc;ment color&eacute;es et pomponn&eacute;es, en accomplissant rituels et sacrifices imm&eacute;moriaux, avec les chants et danses qui les accompagnent et n&rsquo;ont pas l&rsquo;intention d&rsquo;y changer quoi que ce soit. Leurs terres rendent une quantit&eacute; de quinoa qu&rsquo;ils estiment suffisante &agrave; leur ressource et leur commerce, en d&eacute;pit de l'aridit&eacute; des sols et du climat extr&ecirc;me de l&rsquo;Altiplano. M&ecirc;me leurs lamas persistent &agrave; pr&eacute;f&eacute;rer l&rsquo;herbe aux produits transform&eacute;s et s&rsquo;accordent avec d&eacute;fi &agrave; la r&eacute;sistance passive de leurs ma&icirc;tres.
Avec fantaisie, Claire Second d&eacute;nonce judicieusement le mariage impossible entre les intentions voraces d&rsquo;une &eacute;conomie mondialis&eacute;e et la connaissance du travail et le respect de la nature. Certains paysans persistent heureusement &agrave; pratiquer une agriculture adapt&eacute;e &agrave; l&rsquo;&eacute;chelle locale et humaine au b&eacute;n&eacute;fice des leurs. Et, peut-&ecirc;tre, de la sant&eacute; des occidentaux, achetant &agrave; prix d&rsquo;or des sachets de quinoa dans les magasins bio. La droiture et l&rsquo;humour des paysans, m&ecirc;l&eacute;e &agrave; la beaut&eacute; rude mais &eacute;poustouflante de la Cordill&egrave;re des Andes, font de Mascarades un joli pied de nez aux Monsanto, Bayer et consorts.

Mascarades

Douze minutes pour suivre une tomate, de son champ jusqu&rsquo;&agrave; la d&eacute;charge. Douze minutes pour d&eacute;monter, avec force et humour, les rouages d&rsquo;une soci&eacute;t&eacute; capitaliste et coloniale, et d&eacute;montrer le peu de cas qu&rsquo;elle fait du vivant. Douze minutes pour un classique du cin&eacute;ma documentaire br&eacute;silien.
L&rsquo;&Icirc;le aux fleurs s&rsquo;ouvre sur un globe terrestre grossi&egrave;rement peint &agrave; la main, comme pour un expos&eacute; scolaire. La plan&egrave;te tourne sur une musique &eacute;lectronique kitsch et myst&eacute;rieuse, tandis que s&rsquo;enroule autour d&rsquo;elle le titre du film. Le plan est programmatique&nbsp;: de fait, en douze minutes, le r&eacute;alisateur Jorge Furtado va d&eacute;ployer une satire terrible et dr&ocirc;le du reportage didactique, pour exposer une probl&eacute;matique mondiale &agrave; travers une petite histoire, celle d&rsquo;une tomate.
Cultiv&eacute;e dans un champ non loin de Porto Alegre, au sud du Br&eacute;sil, la tomate est transport&eacute;e dans un supermarch&eacute;, achet&eacute;e par une consommatrice, jug&eacute;e impropre &agrave; la consommation et jet&eacute;e &agrave; la poubelle, achemin&eacute;e jusqu&rsquo;&agrave; une d&eacute;charge &ndash; sur l&rsquo;&Icirc;le aux fleurs &ndash;, consid&eacute;r&eacute;e inapte &agrave; nourrir des cochons, mais finalement ramass&eacute;e. Le destin de l&rsquo;aliment r&eacute;v&egrave;le tour &agrave; tour l&rsquo;&eacute;puisement des sols, l'exploitation par le travail, les in&eacute;galit&eacute;s de classe et de genre, le racisme end&eacute;mique, et plus encore&nbsp;: il d&eacute;crit le capitalisme comme un syst&egrave;me pr&eacute;dateur, qui ravage le vivant sous toutes ses formes.
Pour ce faire, Jorge Furtado &eacute;puise son sujet dans une succession de d&eacute;finitions et d&rsquo;illustrations. Au premier abord d&rsquo;une logique implacable, l&rsquo;encha&icirc;nement rythm&eacute; des images et des explications prend une tournure absurde, &agrave; la fois dr&ocirc;le et terrifiante. Ce r&eacute;cit arborescent, qui rappelle la Gen&egrave;se d&rsquo;un repas de Luc Moullet (1978), d&eacute;montre en particulier la d&eacute;shumanisation qui r&eacute;sulte du capitalisme, et comment il a d&eacute;j&agrave; plong&eacute; nos soci&eacute;t&eacute;s modernes dans le gouffre de l&rsquo;horreur.
R&eacute;alis&eacute; en 1989 alors que le Br&eacute;sil, tout juste sorti de la dictature militaire, est le pays le plus in&eacute;galitaire au monde, L&rsquo;&Icirc;le aux fleurs demeure d&rsquo;une actualit&eacute; frappante bien au-del&agrave; de l&rsquo;Am&eacute;rique du Sud. Le film a re&ccedil;u l&rsquo;Ours d&rsquo;argent au Festival de Berlin en 1990, et a &eacute;t&eacute; inclus en 2015 dans la liste des 100 meilleurs films br&eacute;siliens de tous les temps par l&rsquo;Abraccine, l&rsquo;association br&eacute;silienne des critiques de cin&eacute;ma.

L’Île aux fleurs

En 1964, Cassius Clay devient champion du monde de boxe poids lourds. Une date dans l'histoire du sport et un &eacute;v&eacute;nement marquant pour la d&eacute;fense des droits des Noirs aux &Eacute;tats-Unis. Dix ans plus tard, sous le nom de Muhammad Ali, le boxeur d&eacute;fie George Foreman, tenant du titre, &agrave; Kinshasa (Za&iuml;re). 
Les films d&rsquo;agit-prop de William Klein, r&eacute;alis&eacute;s autour de 1968, t&eacute;moignent de l&rsquo;activisme des mouvements contestataires, notamment des partisans du Black Power. Bien que juif, le cin&eacute;aste new-yorkais parvient &agrave; s&rsquo;introduire dans l&rsquo;&eacute;quipe du futur militant Black Muslim Cassius Clay, &agrave; la suite d&rsquo;une rencontre fortuite avec Malcolm X. Dans le monde de la boxe, il y a toujours un bon et un m&eacute;chant. Pendant la pr&eacute;paration du match entre Sonny Liston et Cassius Clay, en 1964, William Klein remarque que les r&ocirc;les sont invers&eacute;s. Clay, &acirc;g&eacute; de 22 ans, est un beau gar&ccedil;on agile, sans ant&eacute;c&eacute;dents judiciaires, tandis que le tenant du titre, de dix ans son a&icirc;n&eacute;, est un ancien prisonnier &agrave; la vie dissolue. Pourtant, c&rsquo;est Clay qui est consid&eacute;r&eacute; comme le &ldquo;mauvais Noir&rdquo;. Son insolence, et, surtout, ses revendications politiques, font de lui un homme virulent et incontr&ocirc;lable qui inqui&egrave;te autant les promoteurs et sponsors que le public blanc.
Cam&eacute;ra embarqu&eacute;e, montage dynamique au rythme syncop&eacute; et d&eacute;coupage &ldquo;coup de poing&rdquo;, le film de William Klein est &agrave; l&rsquo;image de son h&eacute;ros : bavard, enrag&eacute;, insoumis, sans g&ecirc;ne, captivant. Klein filme au c&oelig;ur de la foule, n'h&eacute;site pas &agrave; couper &ldquo;cut&rdquo;, &agrave; d&eacute;former les visages avec le grand-angle et &agrave; cadrer trop serr&eacute;. &Eacute;galement peintre, graphiste et photographe, le cin&eacute;aste interroge le mythe Ali. Les signes s'accumulent dans cette carte postale pop, collage jazzy de panneaux publicitaires, titres de journaux et souvenirs des combats... Objet-simulacre mettant en abyme la performance d'acteur du boxeur, le film r&eacute;v&egrave;le aussi ses contradictions : Ali est &agrave; la fois un militant anti-am&eacute;ricain et un pur produit de l&rsquo;American Dream. Avec ses phrases choc et sa suffisance, le sportif fascine, devenant ph&eacute;nom&egrave;ne d&rsquo;une soci&eacute;t&eacute; du spectacle &eacute;mergente en m&ecirc;me temps que repr&eacute;sentant de toute une population. Ce magnifique boxeur au surnom &eacute;vocateur: &ldquo;The Greatest&rdquo; a redonn&eacute; de la visibilit&eacute; aux Afro-am&eacute;ricains peu apr&egrave;s la mort de Martin Luther King. C&rsquo;est donc en toute logique qu&rsquo;il est devenu un h&eacute;raut de la cause noire aux &Eacute;tats-Unis comme sur le continent africain.

Muhammad Ali The Greatest 1964-1974

«Je dis souvent que la sociologie c'est un sport de combat, c'est un instrument de self-défense. On s'en sert pour se défendre, essentiellement, et on n'a pas le droit de s'en servir pour faire des mauvais coups» (P. Bourdieu). Pendant trois ans, Pierre Carles a suivi Pierre Bourdieu et l'a filmé dans différentes situations d'échanges, s'exprimant lors de conférences publiques, de débats, d'entretiens, de discussions à bâtons rompus, dans des situations aussi diverses que face aux jeunes "enragés" des cités du Val Fourré (Mantes-la-Jolie) ou devant le public choisi de son séminaire au Collège de France. En écoutant Pierre Bourdieu, on comprend ce qu'est réellement la sociologie, en quoi elle est indispensable pour combattre les idées reçues et le sens commun véhiculé aujourd'hui par le discours dominant et les médias. Inlassablement, Pierre Bourdieu a cherché à faire partager à ses interlocuteurs son savoir sur le monde social.

La Sociologie est un sport de combat

Idi Amin Dada, colosse africain analphabète formé au métiers des armes sous l'administration britannique, joue un rôle de premier plan au moment de l'indépendance de l'Ouganda. Promu général de la jeune armée ougandaise, il met à profit sa notoriété pour fomenter un coup d'État qui le porte au pouvoir le 25 janvier 1971. Rapidement, il organise une répression sanglante contre ses opposants politiques et s'auto-intronise président à vie. En France, le producteur Jean-Pierre Rassam (Mara films) propose à Barbet Schroeder de lui confier le tournage d'un film, prévu au départ pour la télévision, sur un chef d'État de son choix. Le cinéaste suisse s'intéresse de près à Amin Dada et, après s'être documenté sur son personnage, grâce notamment à la presse anglo-saxonne, part peu de temps après pour Kempala où il se met à disposition du monarque et l'encourage à mettre en scène sa vie dans la sphère privée comme dans la sphère publique. Au terme de trois semaines de tournage, plus de sept heures de rushes et six mois de montage, "Général Idi Amin Dada, autoportrait" sort finalement en salle à Paris et connaît un important succès public. Dans la foulée du film, Schroeder s'intéresse à d'autres personnalités sulfureuses, dans la perspective de réaliser une "trilogie du mal". Si son projet sur des ex-Khmers rouges est abandonné faute de financement, celui sur Jacques Vergès, "L'Avocat de la terreur", voit le jour en 2007. Plus récemment, Barbet Schroeder a réactualisé son projet de 1974 avec un portrait du moine bouddhiste extrémiste Ashin Wirathu, "Le Vénérable W" (2017).

Général Idi Amin Dada, autoportrait

Hadrien et Ulysse habitent dans une r&eacute;sidence du Crous en plein c&oelig;ur de Paris. Ils filment leur train de vie d'&eacute;tudiants en gal&egrave;re. La date de rendu du m&eacute;moire de fin d'&eacute;tude approche et ils devront bient&ocirc;t lib&eacute;rer les lieux : le compte &agrave; rebours est lanc&eacute;.
Les deux amis passent d&rsquo;une chambre de leur r&eacute;sidence &agrave; l&rsquo;autre, dont les murs sont tapiss&eacute;s d&rsquo;affiches de cin&eacute;ma, de slogans politiques et d&rsquo;appels &agrave; la r&eacute;volution. Ils incarnent une jeunesse &agrave; la fois conforme et en rupture avec les clich&eacute;s qui collent &agrave; leur g&eacute;n&eacute;ration. Engag&eacute;s dans leurs &eacute;tudes, leurs passions et leurs lectures, ils procrastinent aussi, engloutissent des pizzas et fument devant leurs &eacute;crans. En bref, ils vivent cette p&eacute;riode de flottement propre aux ann&eacute;es universitaires, o&ugrave; l&rsquo;insouciance et l&rsquo;effervescence collective forgent les trajectoires personnelles malgr&eacute; l&rsquo;angoisse des lendemains. Entre bons plans, barbecues, jeux vid&eacute;o et hip-hop, le film rajeunit l&rsquo;image du Paris des beaux jours, r&eacute;actualisant ainsi une image d&rsquo;&Eacute;pinal du cin&eacute;ma fran&ccedil;ais &ndash; des ann&eacute;es soixante &agrave; aujourd&rsquo;hui, apr&egrave;s celles d&rsquo;Agn&egrave;s Varda ou de Jean Rouch.
Ce court m&eacute;trage capture avec vivacit&eacute; et franchise les id&eacute;aux d&rsquo;une jeunesse pr&eacute;caris&eacute;e par les crises sociales, la massification &eacute;tudiante et l&rsquo;explosion du co&ucirc;t de la vie dans la capitale. Compos&eacute; d&rsquo;une compilation de sc&egrave;nes parfois proches du sketch, le film met en sc&egrave;ne avec humour la r&eacute;alit&eacute; de ses deux protagonistes : la lassitude de la r&eacute;daction du m&eacute;moire, les chambres o&ugrave; il fait trop chaud et o&ugrave; l&rsquo;on tourne en rond, la fatigue mentale face au tumulte politique et &agrave; l'avenir incertain. Tous ces &eacute;v&eacute;nements du quotidien s'int&egrave;grent avec bonheur dans un premier film audacieux, dr&ocirc;le et percutant qui dresse le portrait sinc&egrave;re d&rsquo;une g&eacute;n&eacute;ration entre r&eacute;volte et abandon.

Camarades

&laquo;&nbsp;J&rsquo;ai rencontr&eacute; Omar &agrave; Calais en 2016, par l&rsquo;interm&eacute;diaire de Bastien, dans l&rsquo;immense bidonville qu&rsquo;on appelait la Jungle. Aujourd&rsquo;hui les gar&ccedil;ons vivent &agrave; Lille, le camp a &eacute;t&eacute; d&eacute;truit. Nous cherchons des traces de cette histoire commune dans le paysage de la Lande devenue "zone naturelle"...&nbsp;&raquo;
C&rsquo;est l&rsquo;histoire d&rsquo;une&nbsp;destruction. La &laquo;&nbsp;jungle de Calais&nbsp;&raquo; si souvent film&eacute;e par les cin&eacute;astes, les journalistes ou les policiers semble&nbsp;avoir &eacute;t&eacute; effac&eacute;e&nbsp;du paysage&nbsp;littoral. Omar, Bastien et Luce se sont pourtant rencontr&eacute;s l&agrave; des ann&eacute;es auparavant. Omar le Soudanais bloqu&eacute; dans sa d&eacute;marche de traverser de la Manche,&nbsp;Bastien&nbsp;interpr&egrave;te b&eacute;n&eacute;vole lillois&nbsp;et Luce la militante, venue tenir la permanence juridique du bidonville. Aujourd&rsquo;hui, si tous les trois poursuivent leurs chemins, tous se souviennent de cette ann&eacute;e comme d&rsquo;un moment de bascule. Ils fouillent ici la lande &agrave; la recherche de vestiges du camp.
R&eacute;alis&eacute; dans la cadre de la r&eacute;sidence Horizon(s) 2023 au Mus&eacute;e national de l&rsquo;histoire de l&rsquo;immigration,&nbsp;Ali Baba les photos&nbsp;confronte le pr&eacute;sent aux souvenirs&nbsp;pour&nbsp;&eacute;crire une autre histoire de la Jungle,&nbsp;dans laquelle l'amiti&eacute;, nou&eacute;e dans l&rsquo;urgence humanitaire, r&eacute;siste encore aujourd&rsquo;hui.

Ali Baba les photos

La Guerre des centimes retrace, le temps d&rsquo;une livraison, la vie de deux coursiers à vélo à Paris. À travers le double portrait d&rsquo;Omar et Marwenn, nous découvrons le quotidien de beaucoup de jeunes travailleur&middot;ses, étudiant&middot;es ou en reconversion professionnelle, fran&ccedil;ais&middot;es ou &eacute;tranger&middot;&egrave;res, qui prennent chaque jour des risques pour quelques euros.
Pour filmer le quotidien des coursier&middot;&egrave;res &agrave; v&eacute;lo, Nader S. Ayache ne s&rsquo;&eacute;conomise pas. &Agrave; califourchon sur sa monture, le nez coll&eacute; &agrave; son guidon, le r&eacute;alisateur nous emm&egrave;ne dans le milieu ferm&eacute; des livreur&middot;ses. On leur a vendu d&rsquo;&ecirc;tre &laquo;&nbsp;leurs propres patron&middot;nes&nbsp;&raquo;, des horaires souples et des revenus cons&eacute;quents. Cependant, le &laquo;&nbsp;travailler plus pour gagner plus&nbsp;&raquo; n'a pas l&rsquo;air de relancer l&rsquo;ascenseur social et l&rsquo;ub&eacute;risation du travail semble plut&ocirc;t b&eacute;n&eacute;ficier aux plateformes qu&rsquo;&agrave; leurs employ&eacute;&middot;es&nbsp;&ndash; enfin, &laquo;&nbsp;entrepreneur&middot;ses&nbsp;&raquo;. Entre des travailleur&middot;ses nombreux&middot;ses et facilement rempla&ccedil;ables, la solidarit&eacute; est mise &agrave; l'&eacute;preuve par la concurrence pour obtenir des courses &agrave; des prix de plus en plus faibles. Entraide et amiti&eacute; subsistent toutefois, conduisant &agrave; des embryons de revendications et d&rsquo;actions communes.
Au-del&agrave; des images de mobilisation documentant un mode de vie aux lendemains incertains et la pr&eacute;carisation du travail, Nader S. Ayache int&egrave;gre une ind&eacute;niable g&eacute;n&eacute;rosit&eacute; ainsi qu&rsquo;une inventivit&eacute; formelle au sein d&rsquo;un premier film fauch&eacute; mais riche en trouvailles. Le r&eacute;alisateur manie notamment des gros plans rappelant ici la spontan&eacute;it&eacute; de la Nouvelle Vague, ailleurs un split screen surprenant nous renvoyant au Nouvel Hollywood. Ainsi, dans une forme l&eacute;g&egrave;re et libre, il humanise les for&ccedil;ats des plateformes, montre leur d&eacute;brouillardise et raconte des trajectoires singuli&egrave;res derri&egrave;re les uniformes.

La Guerre des centimes

L&rsquo;Indien de Guy M&ocirc;quet est un film en embuscade. Un geste &eacute;nigmatique, aper&ccedil;u au hasard d&rsquo;un trottoir&nbsp;: un homme secoue son t&eacute;l&eacute;phone vers le ciel, s&rsquo;arr&ecirc;te, le fixe longuement, recommence. Pourquoi&nbsp;? Que tente-t-il de capter &ndash;&nbsp;du r&eacute;seau&nbsp;? un signe&nbsp;? un dieu&nbsp;? La cin&eacute;aste d&eacute;cide de rester, de filmer et d&rsquo;enqu&ecirc;ter.
Il s&rsquo;agit d&rsquo;un film o&ugrave; il ne se passe presque rien, et pourtant tout s&rsquo;ouvre &agrave; partir du geste d&rsquo;un inconnu&nbsp;: la rue devient un th&eacute;&acirc;tre. Un espace partag&eacute; &ndash;&nbsp;sous l&rsquo;&oelig;il des panneaux publicitaires, dans la rumeur continue du dehors &ndash;&nbsp;o&ugrave; surgit, au d&eacute;tour d&rsquo;un plan, l&rsquo;anormal. L&rsquo;enqu&ecirc;te peut commencer. La cin&eacute;aste r&eacute;p&egrave;te inlassablement les prises de vue, multiplie les pistes, mais toujours reste &agrave; distance&nbsp;: elle observe, s&rsquo;approche lentement, retarde la rencontre.
C&rsquo;est bien l&agrave; que le film s&rsquo;installe&nbsp;: &agrave; la lisi&egrave;re. Lisi&egrave;re de la folie suppos&eacute;e de cet homme, mais aussi de notre imagination de spectateur, de la fiction possible. Car L&rsquo;Indien de Guy M&ocirc;quet est autant une enqu&ecirc;te qu&rsquo;un jeu. Jeu de piste, jeu d&rsquo;images, jeu de montage. Ce cin&eacute;ma de peu est bricol&eacute;, assum&eacute; comme tel &ndash;&nbsp;un art pauvre, mais joueur, qui fabrique du sens &agrave; partir de presque rien. Ce pourrait &ecirc;tre un film sur la parano&iuml;a, sur la solitude urbaine, sur un rapport magique aux objets technologiques mais c&rsquo;est surtout un film sur le d&eacute;sir de regarder. Contrairement aux passants, la cin&eacute;aste ne d&eacute;tourne pas son regard du d&eacute;routant, du potentiellement fou. Mais son regard est cach&eacute;&nbsp;: elle observe sans &ecirc;tre vue. Par timidit&eacute;&nbsp;? Par peur&nbsp;? Envie de garder le myst&egrave;re&nbsp;? Jusqu&rsquo;&agrave; ce que la rencontre advienne, au risque d&rsquo;&ecirc;tre surpris&hellip;

L'Indien de Guy Môquet

Midnight Kids arpente les territoires gel&eacute;s de l&rsquo;Alaska comme on scrute un seuil&nbsp;: celui entre l&rsquo;enfance et l&rsquo;&acirc;ge adulte, entre l&rsquo;isolement et la communaut&eacute;, entre la nuit blanche et l&rsquo;aube qui ne vient pas.
Nous sommes &agrave; Utqiagvik, tout au nord de l&rsquo;Alaska, aux confins des &Eacute;tats-Unis. En plein cercle arctique, la ville est cern&eacute;e par les glaces, battue par les vents, et travers&eacute;e par des quads qui seuls r&eacute;sistent &agrave; la boue des pistes d&eacute;laiss&eacute;es. C&rsquo;est un bastion humain en lisi&egrave;re du monde, o&ugrave; la lumi&egrave;re ne s&rsquo;&eacute;teint jamais pendant de longs mois, d&eacute;r&eacute;glant les corps, les humeurs, les rythmes du vivant. Le paysage est plat, d&eacute;sol&eacute;&nbsp;; l&rsquo;horizon s&rsquo;efface dans un lent panoramique, comme une promesse toujours repouss&eacute;e. Ici, pas de relief, ni g&eacute;ographique, ni narratif &ndash;&nbsp;seulement l&rsquo;attente.
Maxence Vassilyevitch y filme une bande de jeunes hommes inuits am&eacute;ricains se d&eacute;pla&ccedil;ant dans cet espace fig&eacute;. Ils tra&icirc;nent, rient, se d&eacute;fient, parlent peu, tournent en rond. Leur quotidien semble min&eacute; par l&rsquo;ennui, l&rsquo;isolement et les marques d&rsquo;un pass&eacute; toujours irr&eacute;solu&nbsp;: les industries du poisson et du p&eacute;trole, la d&eacute;culturation autochtone en Alaska. Ils r&ecirc;vent d&rsquo;ailleurs, jouant &agrave; des loteries qu&rsquo;ils ne gagneront jamais. Leur r&eacute;alit&eacute; s&rsquo;apparente n&eacute;anmoins &agrave; une cage&nbsp;: couvre-feu pour les mineurs, distances infranchissables, lumi&egrave;re permanente.
Pourtant, dans cette pr&eacute;sence discr&egrave;te mais tenace de l&rsquo;amiti&eacute;, quelque chose r&eacute;siste. Ces jeunes &ndash;&nbsp;plus tout &agrave; fait des &laquo;&nbsp;kids&nbsp;&raquo; &ndash;&nbsp;traversent ensemble une saison sans nuit, une &eacute;poque sans perspective, en camarades de jeu, retrouvant, &agrave; l&rsquo;aube de l&rsquo;&acirc;ge adulte, quelque chose de l&rsquo;enfance.

Midnight Kids

Immersion m&eacute;ditative dans le monde du voyage et du tourisme au Laos, et r&eacute;flexion sur nos vies d&rsquo;observateurs. La travers&eacute;e du pays, de ses routes poussi&eacute;reuses et de ses fleuves tranquilles en une suite de tableaux vivants r&eacute;v&egrave;le la rencontre de la population locale et des &eacute;trangers lors de moments de repos et de jeu.
&laquo;&nbsp;Dans son troisi&egrave;me long m&eacute;trage, Kimi Takesue observe le comportement de voyageurs au Laos et leurs interactions avec les populations locales en une suite de tableaux formels et sonores soigneusement compos&eacute;s. Si le film ne manque pas de d&eacute;crire l&rsquo;impact &eacute;conomique et environnemental du tourisme dans cette r&eacute;gion d&rsquo;Asie du Sud-Est regorgeant de paysages de collines et de rivi&egrave;res pittoresques, son propos est &agrave; la fois plus g&eacute;n&eacute;ral et plus pr&eacute;cis. Qui sont ces &laquo;&nbsp;onlookers&nbsp;&raquo; sinon tout &agrave; la fois eux, elle et nous&nbsp;; cin&eacute;aste et spectateurs, villageois et voyageurs&nbsp;? S&rsquo;agit-il d&rsquo;un film sur le tourisme, ou sur ce que visiter veut dire&nbsp;: explorer et voir, certes, mais voir avec assiduit&eacute;, afin que le regard forme pour lui-m&ecirc;me une discipline intuitive&nbsp;? Ce pari n&eacute;cessite une radicalit&eacute; discr&egrave;te, qui trace en chaque plan un triangle o&ugrave; les regards prennent et se d&eacute;prennent, s&rsquo;exercent et se chevauchent. &Agrave; la com&eacute;die de la photographie amateur compulsive, les regards locaux moqueurs offrent bien s&ucirc;r un divertissant contrepoint. Mais les places sont r&eacute;versibles, &agrave; commencer par celle de la cin&eacute;aste, qui ne craint pas de se laisser ravir elle aussi par un panorama saisissant, ni de prendre le temps de se tenir aux c&ocirc;t&eacute;s des femmes offrant chaque jour &agrave; l&rsquo;aube une portion de riz &agrave; un d&eacute;fil&eacute; interminable de jeunes moines. Face aux ravages du tourisme et &agrave; la persistance des mentalit&eacute;s coloniales, il est facile d&rsquo;oublier ce registre o&ugrave; le regard suspend les pr&eacute;judices et instaure un plan d&rsquo;&eacute;quivalences&nbsp;; une approche groupale &agrave; m&ecirc;me d&rsquo;interroger la mani&egrave;re dont les r&ocirc;les se construisent, et o&ugrave; le travail du cin&eacute;ma se confond avec l&rsquo;exercice de l&rsquo;hospitalit&eacute;.&nbsp;&raquo; (Antoine Thirion, Cin&eacute;ma du r&eacute;el 2023)
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Onlookers

Churchill, petit village du Nord du Canada au bord de la baie d&rsquo;Hudson, est encercl&eacute; par la toundra et n&rsquo;est accessible qu'en avion. La cohabitation avec l&rsquo;ours polaire a fa&ccedil;onn&eacute; son histoire. L&rsquo;animal, d&eacute;sormais prot&eacute;g&eacute;, hante ses rues, provoquant une v&eacute;ritable aubaine touristique et parfois, le plus grand effroi des habitants.
&ldquo;Des si&egrave;cles durant, d&rsquo;octobre &agrave; novembre, une cohorte d&rsquo;ours polaires migre en direction du littoral de la baie d&rsquo;Hudson. L&agrave;, ils attendent que la banquise se forme. Lorsque les eaux ont enfin gel&eacute;, ils traquent le phoque sur la glace, et laissent Churchill derri&egrave;re eux, jusqu&rsquo;&agrave; l&rsquo;ann&eacute;e suivante. Quand les premiers colons arriv&egrave;rent &agrave; Churchill au XVIIIe si&egrave;cle, la cohabitation avec l&rsquo;ours polaire fut d&rsquo;abord houleuse. La ville s&rsquo;est &eacute;rig&eacute;e &agrave; l&rsquo;emplacement m&ecirc;me o&ugrave; les ours se regroupaient depuis des si&egrave;cles. Pour parer toutes menaces et tenir les b&ecirc;tes en respect, les pionniers et autres trappeurs us&egrave;rent de leur attirail guerrier. De fait, rapidement, les populations d&rsquo;ours polaires amorc&egrave;rent un d&eacute;clin, et le commerce de la fourrure fructifia.
La relation entre les habitants et l&rsquo;animal changa radicalement dans les ann&eacute;es 1980, quand les autorit&eacute;s d&eacute;clar&egrave;rent l&rsquo;ours blanc en voie d&rsquo;extinction. Sa chasse fut donc interdite dans le Manitoba. Les ours ne pouvant plus &ecirc;tre tu&eacute;s, le commerce l&eacute;gal de fourrure s&rsquo;effondra. Pour palier &agrave; ce nouveau manque-&agrave;-gagner, la ville se tourna alors vers le tourisme. L&rsquo;ours sauvage que l&rsquo;on tuait devint l&rsquo;ours sauvage que l&rsquo;on apprivoise. Le rapport des habitants de Churchill au monde sauvage se complexifia. Aujourd&rsquo;hui, il ne s&rsquo;agit plus seulement de se prot&eacute;ger de la nature, mais de l&rsquo;utiliser &agrave; des fins spectaculaires, sensationnelles. L&rsquo;ours, &agrave; la fois craint et admir&eacute;, devient la star d&rsquo;une nouvelle industrie qui, &agrave; de nombreux &eacute;gards, est r&eacute;v&eacute;latrice des paradoxes de notre monde moderne. Ces mutations dans le rapport entre l&rsquo;homme et son environnement s&rsquo;accordent autour d&rsquo;une m&ecirc;me logique : celle du profit."
Propos de la cin&eacute;aste Annabelle Amoros, dossier CNC

Churchill, la ville des ours polaires

Voyage en Occident&nbsp;est un documentaire embarqu&eacute; dans un bus de touristes chinois qui visitent, pour la premi&egrave;re fois et au pas de course, 6 pays d&rsquo;Europe en 10 jours.
Voyage express de l'Europe en bus pour des touristes chinois parfois &eacute;blouis mais le plus souvent d&eacute;sabus&eacute;s. Pris dans une sorte de carrousel infernal dont ils ne peuvent s'extirper qu'au bout de dix jours en remontant dans l'avion du retour, les touristes accumulent stress et m&eacute;contentement, dont ils ne se lib&egrave;rent partiellement qu'en prenant le guide &agrave; t&eacute;moin de l'incurie des organisateurs europ&eacute;ens et, accessoirement, en d&eacute;valisant les boutiques de luxe des beaux quartiers parisiens.&nbsp;La r&eacute;alisatrice a choisi de centrer son propos sur le guide accompagnateur, personnage dou&eacute; d'un sens de l'humour et d'une intelligence des situations qui lui permettent de garder la t&ecirc;te froide dans cette &eacute;quip&eacute;e sauvage dont on ne per&ccedil;oit sans doute pas tous les enjeux.

Voyage en Occident

Un &eacute;t&eacute; sur une &icirc;le de loisirs en r&eacute;gion parisienne.&nbsp;Terrain d&rsquo;aventures, de drague et de transgression pour les uns, lieu de refuge et d&rsquo;&eacute;vasion&nbsp;pour les autres.&nbsp;De sa plage payante &agrave; ses recoins cach&eacute;s, l&rsquo;exploration d&rsquo;un royaume de l&rsquo;enfance, en r&eacute;sonance avec les tumultes du monde.
D&eacute;j&agrave; remarqu&eacute; pour un premier long m&eacute;trage Tonnerre et un moyen m&eacute;trage prim&eacute; dans plusieurs festivals Un monde sans femmes, Guillaume Brac choisit l'&icirc;le de loisirs de Cergy-Pontoise comme d&eacute;cor de son deuxi&egrave;me long, Contes de juillet. Pendant l'&eacute;t&eacute; 2017, il y tourne aussi un documentaire, L'&Icirc;le au tr&eacute;sor, d&eacute;di&eacute; &agrave; son fr&egrave;re Cl&eacute;ment et &agrave; l'enfance &eacute;ternelle : &laquo;C'est un lieu que j'ai connu petit, mes parents m'y emmenaient. J'ai grandi dans un milieu privil&eacute;gi&eacute;, prot&eacute;g&eacute;, contrairement aux enfants que je filme. J'ai grandi avec l'envie de sortir de ce cocon d'enfant prot&eacute;g&eacute; et s&eacute;rieux, j'aspirais &agrave; &ecirc;tre comme ces enfants en toute libert&eacute;.&raquo;
Comme le titre le sugg&egrave;re, l'accent est mis sur l'enfance, la qu&ecirc;te d'un paradis sur lequel le monde ext&eacute;rieur n'a pas de prise et l'aventure sous toutes ses formes, y compris la forme transgressive lorsque des petits "pirates" tentent de resquiller. Les enfants s'approprient imm&eacute;diatement les lieux et l'investissent de leurs jeux et de leurs rires, dans une nature certes partiellement factice, mais qui m&eacute;nage &agrave; l'imaginaire enfantin un espace d'&eacute;panouissement presque illimit&eacute;. Aussi loin que porte le regard, on ne voit que de l'eau, des arbres, du sable et de sympathiques &eacute;quipements permettant de s'initier au kayak, au surf, au ski nautique, ou plus simplement de patauger dans l'eau et de faire des p&acirc;t&eacute;s sur la plage. Les adultes ne sont pas moins int&eacute;ress&eacute;s par le lieu, qu'ils soient employ&eacute; charg&eacute; des p&eacute;dalos ou conducteur du train touristique, qu'ils viennent de la banlieue ou de beaucoup plus loin. Pour les uns, c'est un peu une fa&ccedil;on de prolonger l'enfance, pour les autres, c'est retrouver l'&eacute;cho d'un paysage ou d'une ambiance de leur pays d'origine. En observateur bienveillant, Guillaume Brac est all&eacute; cinq jours durant &agrave; la rencontre de ce peuple en vacances, heureux de partager les moments de libert&eacute; et de d&eacute;tente sans pour autant essayer de gommer l'envers du d&eacute;cor: la m&eacute;lancolie du temps qui passe et fuit, un &eacute;t&eacute; qui se termine et renverra bient&ocirc;t les insouciants h&eacute;donistes vers la chaleur du foyer, s'ils en ont un.

L'Île au trésor

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