Jean-Marc Poirier

Entretien avec Agnès Varda, filmé à l'occasion de l'exposition Varda/Cuba présentée à la galerie de photographies du Centre Pompidou, du 11 novembre 2015 au 1er février 2016.

Cinéastes au Centre - Agnès Varda

Arts

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Agnès - Varda - 1928-2019

Photographie

Réalisateurs de cinéma

Centre Pompidou

Lorsque nous nous rencontrons, Marceline a 89 ans, j&rsquo;en ai 24. Aupr&egrave;s d&rsquo;elle, j&rsquo;apprends comment une femme, qui dit tout conna&icirc;tre de la mort, va terminer sa propre vie.
En 2020, Antoine Ravon est en formation au sein du Master DEMC (Documentaire &eacute;critures du monde contemporain). Sa d&eacute;cision de faire du cin&eacute;ma lui vient d&rsquo;une rencontre r&eacute;cente avec Marceline Loridan-Ivens (1928-2018), actrice, &eacute;crivaine, cin&eacute;aste et &eacute;pouse de Joris Ivens (1898-1989). Ravon fut son assistant de l&rsquo;&eacute;t&eacute; 2017 jusqu&rsquo;&agrave; sa mort, en septembre 2018. Il l&rsquo;a accompagn&eacute;e &agrave; l'h&ocirc;pital et a profit&eacute; de sa pr&eacute;sence bienveillante jusqu'&agrave; ses derniers instants. Il lui d&eacute;die ce film, comme un hommage : &ldquo;Du point de vue personnel, c&rsquo;est une rencontre qui a chang&eacute; ma vie. J&rsquo;ai d&eacute;cid&eacute; d&rsquo;en faire un film le jour o&ugrave; j&rsquo;ai compris que je le devais &agrave; Marceline et que sa fin de vie et sa mort, en quelque sorte, &eacute;tait son ultime t&eacute;moignage. Elle est partie le soir de Kippour, la f&ecirc;te du Grand pardon&hellip; &Agrave; travers ce r&eacute;cit, je recherche comment nous approprier son h&eacute;ritage.&rdquo;
Le film convoque le souvenir de cette intellectuelle fran&ccedil;aise de gauche et figure du cin&eacute;ma fran&ccedil;ais qui fut d&eacute;port&eacute;e &agrave; 16 ans &agrave; Auschwitz. Cette petite femme aux cheveux roux d&rsquo;environ 1 m 50 &eacute;tait une militante et une cr&eacute;atrice p&eacute;tillante, d&eacute;bordant de vie, comme si sa survie lui avait donn&eacute; une rage particuli&egrave;re d&rsquo;exister. Comment raconter la fin de vie d&rsquo;un &ecirc;tre disparu en absence d&rsquo;images ? En suivant les notes personnelles marqu&eacute;es dans son journal pendant les mois o&ugrave; il l'accompagne, Antoine Ravon nous transmet toute son admiration pour Marceline. Il convoque sa pr&eacute;sence lumineuse en recomposant l&rsquo;int&eacute;rieur de l&rsquo;appartement parisien de la cin&eacute;aste &agrave; l&rsquo;aide d&rsquo;une maquette et de photographies et l&rsquo;assortissant &agrave; un montage d'images de la capitale aujourd&rsquo;hui et des ann&eacute;es 50 issues du film La Seine a rencontr&eacute; Paris de Joris Ivens : &ldquo; Je n&rsquo;avais presque aucune photo personnelle d&rsquo;elle, et pourtant le sentiment que je devais garder trace de cette rencontre. Je voulais filmer son appartement qui abritait mes souvenirs avec elle, mais cela s&rsquo;est r&eacute;v&eacute;l&eacute; impossible. Alors j&rsquo;ai pris au pied de la lettre ce qu&rsquo;elle dit du documentaire : j&rsquo;ai fait ce film, litt&eacute;ralement, &laquo; avec des bouts de ficelle &raquo;.&rdquo;

Après Marceline

Ce film est un essai insolite et prot&eacute;iforme qui prend pour objet les films entrepos&eacute;s &agrave; la Cin&eacute;math&egrave;que royale de Belgique afin de concocter une histoire du cin&eacute;ma sous acide (nitrique) faite de collages po&eacute;tico-philosophiques.
Portrait intime et personnel d'un lieu: la Cin&eacute;math&egrave;que royale de Belgique, o&ugrave; l'image joue s&eacute;ance apr&egrave;s s&eacute;ance de son pouvoir de s&eacute;duction sur le spectateur. "Ce qui soude, lie une image &agrave; une autre est impr&eacute;visible, archa&iuml;que. En nous, ces images - de films, d'&eacute;poques, d'&eacute;critures diff&eacute;rentes - se parlent, se regardent, s'&eacute;changent du sens. Et qu'on le souhaite ou non, elles parlent toutes de "temps". &Ecirc;tre spectateur, c'est renouveler constamment cette exp&eacute;rience du "temps", c'est "&ecirc;tre au pr&eacute;sent", celui d'une projection, celui d'une s&eacute;ance. Inutile de le souligner : le laboratoire le plus intriguant pour faire ces exp&eacute;riences "temporelles" est &agrave; mes yeux -encore et toujours - une cin&eacute;math&egrave;que. Pour moi - spectateur assidu, amoureux, fauch&eacute; - une part congrue d'humanit&eacute; a transit&eacute; par l&agrave;, par des visages, des &eacute;critures. L&agrave;, des images, des sons ont en grande partie sculpt&eacute;, fa&ccedil;onnn&eacute;, entretenu un monde."
(Claudio Pazienza, extrait de la note de l'auteur, 24 d&eacute;cembre 2008)

Archipels Nitrate

&Agrave; Khartoum, capitale du Soudan, quatre cin&eacute;astes septuag&eacute;naires r&ecirc;vent du retour des projections collectives en plein air. Les fac&eacute;tieux Ibrahim Shaddad, Suleiman Mohamed Ibrahim, Manar Al-Hilo et Altayeb Mahdi, tous membres du SFG, le Sudanese Film Group, ont pour projet de rouvrir le bien nomm&eacute; cin&eacute;ma &ldquo;La R&eacute;volution&rdquo;. 
La jeunesse soudanaise regarde des films sous le manteau depuis trente ans d&eacute;j&agrave;. La capitale du pays a &eacute;t&eacute; transform&eacute;e en d&eacute;sert culturel par la politique s&eacute;curitaire du pr&eacute;sident islamiste Omar el-B&eacute;chir, officier port&eacute; au pouvoir par un coup d'&Eacute;tat militaire en 1989. Avant cela, les cin&eacute;astes, partis apprendre leur m&eacute;tier en Allemagne, en &Eacute;gypte et en Russie, &eacute;taient revenus au Soudan pour produire dans les ann&eacute;es 1960/80 des films d&rsquo;auteurs dont les pellicules reposent aujourd'hui dans des cartons. Images manquantes d&rsquo;un cin&eacute;ma bourgeonnant qui n&rsquo;a jamais pu fleurir. Depuis 1989 et la fermeture des salles, les quatre amis ont maintenu leurs activit&eacute;s de critiques et leur cin&eacute;-club, se d&eacute;pla&ccedil;ant m&ecirc;me en mini-van dans les villages avec un cin&eacute;ma ambulant.
Dans ce pays o&ugrave; tourner et projeter des films est interdit et doit demeurer une illusion, la d&eacute;sillusion ne l&rsquo;emporte pourtant jamais sur le moral d&rsquo;acier et l&rsquo;humour de ces id&eacute;alistes tranquilles. Les comp&egrave;res assimilent avec une rare philosophie les nombreux obstacles qui s'accumulent devant leur r&ecirc;ve, des appels &agrave; la pri&egrave;re amplifi&eacute;s des six mosqu&eacute;es avoisinantes jusqu&rsquo;aux coupures de courant de la Compagnie nationale d'&eacute;lectricit&eacute;. Ils n&rsquo;ont pas l&rsquo;air non plus de se soucier du manque de moyens techniques et financiers, ni des va-et-vient incessants avec l&rsquo;administration, locale et nationale, rendant caduque chacune de leurs demandes d&rsquo;autorisation. Dans cette logique kafka&iuml;enne d&rsquo;an&eacute;antissement des bonnes volont&eacute;s, les quatre hommes n&rsquo;ont qu&rsquo;une arme contre les emp&ecirc;cheurs de tourner en rond, leur adoration pour le cin&eacute;ma. Et parler des arbres, comme la citation brechtienne du titre le souligne, est un geste politique et non un crime. La situation politique a &eacute;volu&eacute; depuis le tournage clandestin du film en 2015 et cela aura peut-&ecirc;tre une influence positive sur l&rsquo;avenir du cin&eacute;ma soudanais. En 2019, le r&eacute;gime d&rsquo;Omar el-B&eacute;chir est tomb&eacute;. Ibrahim, Suleiman, Manar et Altayeb pourront-ils bient&ocirc;t parler d&rsquo;arbres en toute libert&eacute; ? Comme eux, soyons confiants.

Talking About Trees

&Agrave; partir du tout premier film de l'histoire du cin&eacute;ma, "La Sortie des usines Lumi&egrave;re", Harun Farocki a rassembl&eacute; des s&eacute;quences de sorties d'usine dans des films d'archives ou des films de fiction allemands et am&eacute;ricains. 
&Agrave; travers ces s&eacute;quences, il analyse la repr&eacute;sentation film&eacute;e de la classe ouvri&egrave;re. La cam&eacute;ra reste toujours au seuil de l'usine et le r&eacute;alisateur s'interroge sur cette absence de repr&eacute;sentation du travail au cin&eacute;ma. La plupart des films de narration commencent apr&egrave;s les heures du travail. Les luttes ouvri&egrave;res, les gr&egrave;ves sont aussi film&eacute;es aux portes des usines : l'esplanade de l'usine est un lieu historique, avec la violence qui lui est li&eacute;e. Aujourd'hui cette violence est symbolis&eacute;e par les cam&eacute;ras de surveillance, les dispositifs de s&eacute;curit&eacute;. Ce film montre &agrave; quel point le cin&eacute;ma est un mat&eacute;riau pr&eacute;cieux pour l'analyse historique, sociale et politique de nos soci&eacute;t&eacute;s.

La Sortie d'usine

«Où en êtes-vous ?» est une collection initiée par le Centre Pompidou, qui passe commande à chaque cinéaste invité d’un film de forme libre, avec lequel il répond à cette question à la fois rétrospective, introspective, et tournée vers l'avenir. Par le biais d'une parabole, Barbet Schroeder invite le spectateur à réfléchir sur la haine, «la plus terrible des passions». Après avoir écouté un philosophe disserter sur le mal et la vengeance, le cinéaste prend pour exemple la Birmanie, où il est retourné récemment pour faire un film sur les adeptes extrémistes du bouddha, auteurs de pogroms contre leurs voisins musulmans. Ce film, "Le Vénérable W" est sorti dan les salles françaises en juin 2017.

Où en êtes-vous, Barbet Schroeder ?

"Je suis né dans une petite ville d'Allemagne de l'Ouest entre Wuppertal et Düsseldorf, où, jusqu'à mes huit ans, il y avait encore des cinémas. Puis ils ont fermé, à cause de la télé." Entretien avec le cinéaste allemand Christian Petzold, filmé à l'occasion de la rétrospective Harun Farocki / Christian Petzold, présentée au Centre Pompidou du 28 novembre 2017 au 14 janvier 2018.

Cinéastes au Centre - Christian Petzold

Entretien entre le cinéaste iranien Amir Naderi et l'acteur Madjid Niroumand, dans le cadre de la rétrospective que le Centre Pompidou a consacrée au cinéaste du 5 avril au 17 juin 2018. Madjid Niroumand a interprété le rôle d'Amiro, l'enfant de dix ans héros du film "Le Coureur" (1985), un des plus grands succès de Naderi.

Cinéastes et Acteurs au Centre - Amir Naderi et Madjid Niroumand

"J'ai réalisé que le temps révolu pouvait revenir grâce au cinéma..." Entretien avec Naomi Kawase dans le cadre de la rétrospective que le Centre Pompidou a consacrée à la cinéaste japonaise du 23 novembre 2018 au 7 janvier 2019.

Cinéastes au Centre - Naomi Kawase

Entretien avec Bertrand Bonello, filmé à l'occasion de la rétrospective/exposition présentée au Centre Pompidou, du 19 septembre au 26 octobre 2014.

Cinéastes au Centre - Bertrand Bonello

"J'ai dédié ma vie au cinéma car il m'a aidé à décrire de manière intense et sincère ma vie d'enfant des rues..." Entretien avec Amir Naderi dans le cadre de la rétrospective que le Centre Pompidou a consacrée au cinéaste iranien du 5 avril au 17 juin 2018.

Cinéastes au Centre - Amir Naderi

«Où en êtes-vous ?» est une collection initiée par le Centre Pompidou, qui passe commande à chaque cinéaste invité d’un film de forme libre, avec lequel il répond à cette question à la fois rétrospective, introspective, et tournée vers l'avenir. Bertrand Bonello réalise un autoportrait très personnel sous la forme d’une lettre à sa fille, avec laquelle il fait un retour sur les lieux de tournage de ses films et s’interroge sur la suite, sur ses désirs.

Où en êtes-vous, Bertrand Bonello ?

«Où en êtes-vous ?» est une collection initiée par le Centre Pompidou, qui passe commande à chaque cinéaste invité d’un film de forme libre, avec lequel il répond à cette question à la fois rétrospective, introspective, et tournée vers l'avenir. Dans ce court film, Kawase recrée l'ambiance hypnotique qui parcourt toute son oeuvre, entre déambulations, tchat téléphonique et souvenirs d'enfance.

Où en êtes-vous, Naomi Kawase ?

«Où en êtes-vous ?» est une collection initiée par le Centre Pompidou, qui passe commande à chaque cinéaste invité d’un film de forme libre, avec lequel il répond à cette question à la fois rétrospective, introspective, et tournée vers l'avenir. Au cœur de la forêt de Vilnius, dans le chalet dont il a fait son studio dès le tout début des années 1990, Sharunas Bartas dit face à la caméra, avec une clairvoyance et une honnêteté absolues, l’essentiel de ce qui fonde son cinéma, ses constantes et ce que le temps a changé : la fusion entre l’existence et les films, le partage de sensations et de sentiments dont les mots ne peuvent rendre compte, la torture permanente pour parvenir à trouver les formes, le poids de l’expérience… Avec, depuis toujours, la tristesse comme meilleure des conseillères. Des images d’archives de ses tournages le montrent au travail tout en donnant une épaisseur au temps passé, à la vie traversée avec le cinéma.

Où en êtes-vous, Sharunas Bartas ?

«Où en êtes-vous ?» est une collection initiée par le Centre Pompidou, qui passe commande à chaque cinéaste invité d’un film de forme libre, avec lequel il répond à cette question à la fois rétrospective, introspective, et tournée vers l'avenir. Les cinéastes revisitent, à travers des images d’archives du XXe siècle, des régions aujourd’hui en guerre ou en crise : l’Irak, l’Afghanistan, la Grèce, la Palestine, Jérusalem. Ils montrent des peuples, descendants des Mayas ou réfugiés syriaques, des hommes, des femmes, des enfants, toujours menacés. Un certain état du monde a disparu ; la violence, elle, continue, ses images brûlant les cinéastes dans leur chair-même.

Où en êtes-vous, Yervant Gianikian et Angela Ricci Lucchi ?

En janvier 1963, soit quatre ans apr&egrave;s la r&eacute;volution qui a chass&eacute; le dictateur pro-am&eacute;ricain Batista du pouvoir, Agn&egrave;s Varda revient de Cuba avec 4000 photos en noir et blanc. Elle en retravaille certaines pour repr&eacute;senter la p&eacute;riode r&eacute;volutionnaire dans un film dont elle d&eacute;finit la ligne directrice : socialisme et cha-cha-cha !
Dans les ann&eacute;es soixante, on pouvait croiser &agrave; La Havane de nombreux intellectuels fran&ccedil;ais, dont Chris Marker, qui tourne Cuba si sur place d&egrave;s 1961. Tandis que la crise entre Cuba et les &Eacute;tats-Unis est &agrave; son paroxysme et que la perspective d&rsquo;une troisi&egrave;me guerre mondiale se profile, Salut les Cubains t&eacute;moigne de l&rsquo;engouement politique et culturel des artistes fran&ccedil;ais pour l'anti-imp&eacute;rialisme am&eacute;ricain, l'id&eacute;alisme r&eacute;volutionnaire et le socialisme. Invit&eacute;e par l&rsquo;ICAIC, l'Institut cubain de l&rsquo;art et de l&rsquo;industrie cin&eacute;matographiques, Agn&egrave;s Varda va rendre compte des suites de l&rsquo;arriv&eacute;e au pouvoir de Fidel Castro.
Ce puzzle photographique et musical se pr&eacute;sente comme une lettre adress&eacute;e aux Cubains. Agn&egrave;s Varda &ldquo;salue&rdquo; dans un m&ecirc;me &eacute;lan les rois du mambo, les femmes &agrave; la d&eacute;marche chaloup&eacute;e, les r&eacute;volutionnaires barbus. Sa voix, souvent pr&eacute;sente dans ses documentaires, r&eacute;pond &agrave; celle de l&rsquo;acteur Michel Piccoli dans un commentaire dialogu&eacute; agr&eacute;ment&eacute; de diff&eacute;rentes musiques locales et d&rsquo;une partition compos&eacute;e par Michel Legrand, qui travaillait alors avec Jacques Demy sur la musique des Parapluies de Cherbourg. En montant ses clich&eacute;s sur un banc-titre, &agrave; la mani&egrave;re des dessins anim&eacute;s, Varda parvient dans une forme tr&egrave;s libre &agrave; restituer l&rsquo;&eacute;nergie et l&rsquo;&eacute;mulation pr&eacute;sentes sur l&rsquo;&icirc;le. L'instantan&eacute;it&eacute; de ses clich&eacute;s, pris sur le vif, r&eacute;v&egrave;le l'acuit&eacute; de son regard. Le moindre d&eacute;tail est soulign&eacute; par le montage et le commentaire. Bien que fascin&eacute;e par les tr&eacute;sors trouv&eacute;s sur cette &icirc;le en forme de cigare ou de crocodile, la r&eacute;alisatrice a soigneusement &eacute;vit&eacute; de faire oeuvre de propagande. En documentariste curieuse de tout, elle est l&agrave; pour voir, pour comprendre et transmettre, sans &agrave; priori. En t&eacute;moigne son portrait de Fidel Castro, pris entre deux rochers, qui donne du lider maximo (un homme qu&rsquo;elle d&eacute;crit comme calme, beau et sympathique) l&rsquo;image d&rsquo;un r&eacute;volutionnaire aux ailes de pierre. Plus que par la sph&egrave;re politique, elle est impressionn&eacute;e par l&rsquo;atmosph&egrave;re festive des rues, par la sensualit&eacute; des corps et surtout par l&rsquo;&eacute;lan collectif spontan&eacute; que suscite la r&eacute;volution. Par sa ferveur et sa vitalit&eacute;, une petite &icirc;le des Antilles offrait soudain un contrepoint salutaire au d&eacute;senchantement moderne occidental que l'on sentait poindre ici et l&agrave;.

Salut les Cubains

1975, ann&eacute;e de la Femme. La t&eacute;l&eacute;vision publique commande &agrave; 7 r&eacute;alisatrices 7 films de 7 minutes pour l&rsquo;&eacute;mission &ldquo;F comme Femme&rdquo; sur Antenne 2 (aujourd&rsquo;hui France 2). Agn&egrave;s Varda se pr&ecirc;te au jeu avec un cin&eacute;-tract de 8 minutes dans lequel des femmes d&rsquo;&acirc;ges et d&rsquo;origines divers r&eacute;pondent &agrave; la question &ldquo;Qu&rsquo;est-ce qu&rsquo;une femme ?&rdquo;
Cin&eacute;aste contestataire dans les ann&eacute;es 60/70, Agn&egrave;s Varda filme les r&eacute;volutionnaires cubains en 1962 et participe au film collectif antimilitariste Loin du Vietnam en 1967. Un an plus tard, elle n&rsquo;assiste pas aux &eacute;v&eacute;nements de mai 1968 car elle est aux &Eacute;tats-Unis, aux c&ocirc;t&eacute;s des manifestants Afro-Am&eacute;ricains rassembl&eacute;s &agrave; Oakland pour le proc&egrave;s du co-fondateur du parti des Black Panthers, Huey Newton, accus&eacute; du meurtre d&rsquo;un policier. R&eacute;alis&eacute; en 1975, R&eacute;ponse de femmes prend la forme d&rsquo;un &ldquo;cin&eacute;-tract&rdquo;, sur le mod&egrave;le des tr&egrave;s courts m&eacute;trages militants tourn&eacute;s en mai-juin 1968. Le film est diffus&eacute; &agrave; la t&eacute;l&eacute;vision l&rsquo;ann&eacute;e du vote de la loi Veil relative &agrave; l'interruption volontaire de grossesse, qui d&eacute;p&eacute;nalise l'avortement. Au moment de sa diffusion, les luttes f&eacute;ministes sont &agrave; leur paroxysme dans une soci&eacute;t&eacute; tr&egrave;s cliv&eacute;e et patriarcale, influenc&eacute;e par les images f&eacute;minines n&eacute;gatives v&eacute;hicul&eacute;es par la publicit&eacute;. La r&eacute;alisatrice filme la r&eacute;ponse unanime, collective, de plusieurs femmes qui clament le droit des femmes &agrave; disposer de leurs corps, certaines allant jusqu&rsquo;&agrave; se d&eacute;nuder devant la cam&eacute;ra. Ce qui nous appara&icirc;t aujourd'hui comme une salutaire impertinence a suscit&eacute; un vif mouvement de protestation des t&eacute;l&eacute;spectateurs.
Varda, rare cin&eacute;aste femme au sein d&rsquo;une profession largement masculine, unique r&eacute;alisatrice de la Nouvelle Vague, est une femme libre. Elle r&eacute;alise un an plus tard L&rsquo;une chante, l&rsquo;autre pas (1976) sur les th&egrave;mes de la maternit&eacute; et de l&rsquo;avortement, son long m&eacute;trage de fiction le plus ouvertement f&eacute;ministe. Si les historiens et les critiques ont plus souvent qualifi&eacute; le cin&eacute;ma d&rsquo;Agn&egrave;s Varda de &ldquo;f&eacute;minin&rdquo; que de &ldquo;f&eacute;ministe&rdquo;, il n&rsquo;en reste pas moins que son engagement pour la cause des femmes va bien au-del&agrave; de ses films militants. De Cl&eacute;o, la chanteuse angoiss&eacute;e de Cl&eacute;o de 5 &agrave; 7 &agrave; Mona, la vagabonde r&eacute;volt&eacute;e de Sans toit ni loi, jusqu&rsquo;&agrave; Th&eacute;r&egrave;se, l&rsquo;&eacute;pouse tromp&eacute;e du Bonheur, Agn&egrave;s Varda a mis en sc&egrave;ne dans ses fictions comme dans ses documentaires la vie des femmes de son temps.

Réponse de femmes

Au bord de la mer, une ch&egrave;vre, un enfant et un homme. C&rsquo;est une photographie faite par Agn&egrave;s Varda en 1954 : la ch&egrave;vre &eacute;tait morte, l&rsquo;enfant s&rsquo;appelait Ulysse et l&rsquo;homme &eacute;tait nu. &Agrave; partir de cette image fixe, le film explore la fronti&egrave;re t&eacute;nue entre r&eacute;el et imaginaire. 
La photographie d&rsquo;Ulysse enfant renvoie Varda dans un pass&eacute; d&eacute;j&agrave; lointain. 1954, c&rsquo;est une ann&eacute;e charni&egrave;re pour celle qui troque alors son appareil photo &laquo;&agrave; plaques&raquo; pour une cam&eacute;ra et s&rsquo;en va tourner &agrave; S&egrave;te un premier long m&eacute;trage, La Pointe courte, parmi les habitants de ce quartier qui borde l&rsquo;&eacute;tang de Thau. Quoique fictionnelle, l'histoire s&rsquo;enracine profond&eacute;ment dans le quotidien des p&ecirc;cheurs languedociens tandis que quelques semaines plus t&ocirc;t, &agrave; 1000 kms de l&agrave;, en Normandie, les personnages de la photo s'abandonnaient &agrave; la r&ecirc;verie de l'artiste.
Agn&egrave;s Varda raconte, tout en rimaillant: &laquo;c&rsquo;&eacute;tait un dimanche, sur la c&ocirc;te au bord de la Manche&hellip;&raquo; Son go&ucirc;t pour l&rsquo;excentricit&eacute; la pousse &agrave; mettre en sc&egrave;ne ses retrouvailles, 28 ans plus tard, avec l&rsquo;homme nu de la plage, qui est &agrave; nouveau nu devant la cam&eacute;ra, mais cach&eacute; derri&egrave;re son bureau de directeur artistique du journal Elle. Fouli Elia ne se souvient pas de la photo, mais assez pr&eacute;cis&eacute;ment des fantaisies de Varda: &laquo;tu faisais souvent des photos de choses crev&eacute;es sur les galets, je me souviens en particulier d&rsquo;un oiseau&raquo;. Ulysse Llorca, libraire et p&egrave;re de deux enfants, ne se souvient pas non plus de l&rsquo;image de son enfance, mais tr&egrave;s bien de ses souffrances car il &eacute;tait alors victime d&rsquo;une maladie qui l&rsquo;emp&ecirc;chait de marcher seul. Sa m&egrave;re, Bienvenida, r&eacute;fugi&eacute;e espagnole et voisine d&rsquo;Agn&egrave;s Varda dans son quartier de la rue Daguerre &agrave; Paris, n'a jamais oubli&eacute; ces moments d'angoisse. Apr&egrave;s avoir pr&eacute;sent&eacute; la photo &agrave; une ch&egrave;vre qui la mange goul&ucirc;ment et &agrave; des enfants qui la jugent cr&eacute;dible, malgr&eacute; quelques h&eacute;sitations devant la nudit&eacute; de l&rsquo;homme, ne reste plus &agrave; Varda qu&rsquo;&agrave; convoquer l&rsquo;actualit&eacute; fran&ccedil;aise politique et artistique du moment pour r&eacute;ins&eacute;rer le clich&eacute; dans un cadre historique. Mais, malgr&eacute; tous les efforts de la photographe pour partager ses &eacute;motions artistiques du temps pass&eacute;, il faut bien constater que les souvenirs de chacun ne sont pas les souvenirs de tous et Agn&egrave;s Varda referme l&rsquo;album photo sur une conclusion quelque peu d&eacute;sabus&eacute;e : &laquo;l&rsquo;image est l&agrave;, c&rsquo;est tout. Une image, on y voit ce qu&rsquo;on veut&raquo;.

Ulysse

Partout en France, &agrave; l&rsquo;or&eacute;e des ann&eacute;es 2000, Agn&egrave;s Varda a rencontr&eacute; des glaneurs et des glaneuses souvent pouss&eacute;s par la n&eacute;cessit&eacute;, parfois par un choix de vie. Patates, pommes, raisins et autres nourritures jet&eacute;es, objets mis au rebut sont leur maigre viatique. La cin&eacute;aste glane de son c&ocirc;t&eacute; des images en s&rsquo;interrogeant sur sa vie et son m&eacute;tier.
Le sujet, plac&eacute; sous le signe du c&eacute;l&egrave;bre tableau de Millet, est introduit par la lecture du dictionnaire qui rappelle l&rsquo;origine ancienne du glanage et son sens tr&egrave;s concret : ramasser sur le sol ce qui reste apr&egrave;s la r&eacute;colte. Si la po&eacute;sie se d&eacute;ploie d&eacute;licieusement tout au long du film, l&rsquo;exactitude de l&rsquo;information n&rsquo;en est pas &eacute;vacu&eacute;e pour autant. On assiste ainsi &agrave; des &eacute;pisodes burlesques mettant en sc&egrave;ne deux (vrais) avocats, l&rsquo;un expliquant la l&eacute;gislation sur le glanage au milieu d&rsquo;un champ d&rsquo;artichauts, tandis que l&rsquo;autre p&eacute;rore sur celle des objets abandonn&eacute;s devant une montagne d&rsquo;encombrants. Nulle part ailleurs que dans le cin&eacute;ma d&rsquo;Agn&egrave;s Varda, &agrave; quelques exceptions pr&egrave;s (Moullet, Pazienza&hellip;), la veine documentaire ne s&rsquo;accorde aussi spontan&eacute;ment avec la plus totale fantaisie.
Pointant dans la filmographie de Varda apr&egrave;s une longue suite de fictions, dont la derni&egrave;re en 1995 a &eacute;t&eacute; un &eacute;chec cuisant, Les Glaneurs&hellip; est le film du retour au cin&eacute;ma, fait de contacts physiques et d&rsquo;&eacute;changes directs, facilit&eacute;s par l&rsquo;apparition des petites cam&eacute;ras qui tiennent dans la main. Un &laquo; film-je &raquo; o&ugrave; la voix d&rsquo;Agn&egrave;s Varda joue un r&ocirc;le de premier plan, selon un parcours qui se construit librement, au fil des associations d&lsquo;id&eacute;es de la filmeuse-glaneuse. Une premi&egrave;re &eacute;tape conduit la petite &eacute;quipe de tournage dans la Beauce, o&ugrave; cohabitent agriculteurs et glaneurs. Plus tard, des rencontres avec des viticulteurs montrent que la tol&eacute;rance envers les glaneurs et grapilleurs n&rsquo;est pas la chose du monde la mieux partag&eacute;e. Agn&egrave;s Varda m&egrave;ne aussi son enqu&ecirc;te &agrave; Paris, sur les march&eacute;s o&ugrave; une population assez &acirc;g&eacute;e et aux moyens modestes attend le d&eacute;part des commer&ccedil;ants pour tenter de r&eacute;cup&eacute;rer des fruits et l&eacute;gumes r&eacute;put&eacute;s invendables. Une occasion de parler de la pr&eacute;carit&eacute;, comme la r&eacute;cup&eacute;ration d&rsquo;objets en est une autre de parler de l&rsquo;art et des artistes, qui sont de grands chineurs d&rsquo;ustensiles improbables. Le film n&rsquo;&eacute;chappe pas &agrave; une certaine m&eacute;lancolie lorsque Varda filme les taches brunes sur sa peau, signe de la vieillesse qui s&rsquo;installe. Il ne faut n&eacute;anmoins pas se fier &agrave; cette allusion insistante &agrave; la (sa) mort : apr&egrave;s Les Glaneurs&hellip;, la cin&eacute;aste devenue plasticienne &agrave; l&rsquo;occasion de plusieurs expositions a continu&eacute; &agrave; nous faire partager sa vie &agrave; travers d&rsquo;autres documentaires, dont l&rsquo;inoubliable Les Plages d&rsquo;Agn&egrave;s.

Les Glaneurs et la glaneuse

<h5 class="standfirst">Quand le cin&eacute;ma parle de cin&eacute;ma, un monde s&rsquo;ouvre et nous plonge dans l&rsquo;&acirc;me m&ecirc;me du documentaire de cr&eacute;ation. Quatre films et une collection irrigu&eacute;s par le 7e art sont &agrave; d&eacute;couvrir sans tarder.</h5>
Je me souviens d&rsquo;un d&eacute;bat apr&egrave;s une projection, un homme dans le public avait pris la parole pour dire qu&rsquo;il avait beaucoup aim&eacute; &ldquo;on aurait dit un vrai film de cin&eacute;ma&rdquo;. Il s&rsquo;embourbait alors dans un la&iuml;us trop souvent entendu, o&ugrave; le cin&eacute;ma documentaire serait autre chose que du cin&eacute;ma, oubliant peut-&ecirc;tre que les premiers films Lumi&egrave;re &eacute;mergeaient d&eacute;j&agrave; du r&eacute;el. L&rsquo;&eacute;criture, le cadrage, le montage, le travail en amont et en post-production, tout fait cin&eacute;ma. Jean-Louis Comolli, critique et cin&eacute;aste, abhorrait les fronti&egrave;res artificielles pos&eacute;es entre documentaire et fiction : &ldquo;Je pense que la fiction est tout autour de nous. Elle est en nous, elle est partout et n'est pas cantonn&eacute;e dans un d&eacute;partement qui s'appellerait Films de fiction. C'est absurde. Vous &ecirc;tes une fiction, je suis une fiction, nous sommes des fictions.&rdquo;. Alors, quand le cin&eacute;ma documentaire de cr&eacute;ation s&rsquo;int&eacute;resse au cin&eacute;ma, c&rsquo;est sans doute pour r&eacute;pondre &agrave; un &eacute;cho trouble et intense, cr&eacute;er une boucle qui vient dire et affirmer au monde que le cin&eacute;ma est bel et bien ancr&eacute; d&eacute;sormais dans nos r&eacute;alit&eacute;s, dans ce qui fait soci&eacute;t&eacute;, dans nos vies au quotidien, dans et hors de l&rsquo;&eacute;cran.
<h5 class="selection_header">Apr&egrave;s Marceline</h5>
&Agrave; travers ce r&eacute;cit, Antoine Ravon rend hommage &agrave; Marceline Loridan-Ivens, figure du cin&eacute;ma direct. Elle reprend vie gr&acirc;ce aux photos et aux d&eacute;cors miniatures fabriqu&eacute;s pour l&rsquo;occasion. L&rsquo;ancien &eacute;tudiant du Master &laquo; le Documentaire, &eacute;critures du monde contemporain &raquo; raconte l&rsquo;empreinte laiss&eacute;e par cette rencontre et les derniers mois de la cin&eacute;aste qu&rsquo;il a pu accompagner. Ainsi, resurgit en pointill&eacute;s l&rsquo;&acirc;me de cette femme engag&eacute;e.
<h5 class="selection_header">Archipels Nitrate</h5>
Claudio Pazienza plonge dans l&rsquo;&acirc;me du cin&eacute;ma &agrave; travers les pellicules rong&eacute;es par l&rsquo;acide&nbsp; et la m&eacute;moire abrit&eacute;e par la Cin&eacute;math&egrave;que royale de Belgique. Si le lieu tente de pr&eacute;server la mati&egrave;re pour lui permettre d'&eacute;chapper &agrave; l&rsquo;emprise du temps, le cin&eacute;aste intimiste et po&egrave;te, lui, puise dans ces bobines pour faire surgir un r&eacute;cit. Il alterne images d'archives, sc&egrave;nes tourn&eacute;es chez lui et d'autres &agrave; la Cin&eacute;math&egrave;que, pr&eacute;sentant un cin&eacute;ma organique qui prouve d&rsquo;autant plus son aspect vivant lorsqu'il laisse appara&icirc;tre la fragilit&eacute; du support.&nbsp;
<h5 class="selection_header">Talking about trees</h5>
Quatre r&eacute;alisateurs soudanais d&eacute;cident de r&eacute;habiliter un cin&eacute;ma pour r&eacute;animer des moments de partage et de vie ensemble. Ils ont vieilli mais leur r&ecirc;ve de voir des s&eacute;ances collectives reprogramm&eacute;es est intact. Malgr&eacute; les obstacles et les difficult&eacute;s, ils s&rsquo;acharnent. Le film aborde les rapports et les cons&eacute;quences des d&eacute;cisions politiques sur les possibilit&eacute;s donn&eacute;es au cin&eacute;ma d&rsquo;exister que ce soit dans sa fabrication, sa diffusion et sa conservation. &ldquo;La R&eacute;volution&rdquo; cin&eacute;ma en plein air pourra-t-il re-vivre gr&acirc;ce &agrave; la pers&eacute;v&eacute;rance de ces passionn&eacute;s ?
<h5 class="selection_header">La Sortie d&rsquo;usine</h5>
Harun Farocki d&eacute;crypte la fa&ccedil;on dont le cin&eacute;ma repr&eacute;sente la classe ouvri&egrave;re depuis sa cr&eacute;ation. C&rsquo;est par l&rsquo;effet d&rsquo;accumulation, de comparaison, de succession que le r&eacute;alisateur parvient &agrave; produire le sens cach&eacute; de ces flop&eacute;es d&rsquo;images tourn&eacute;es aux portes des usines, avant et apr&egrave;s le travail. En partant du film des fr&egrave;res Lumi&egrave;re tourn&eacute; en 1895 et en s&rsquo;appuyant sur des s&eacute;quences de plusieurs autres films tourn&eacute;s depuis, le penseur et cin&eacute;aste allemand parvient &agrave; faire accoucher le cin&eacute;ma de la condition ouvri&egrave;re et de ses luttes sociales.&nbsp;
<h5 class="selection_header">Cin&eacute;astes au Centre</h5>
Ces courts m&eacute;trages tourn&eacute;s au Centre Pompidou retracent la vitalit&eacute; du lieu et son r&ocirc;le majeur dans la diffusion du cin&eacute;ma. Entendre ces artistes parler de leur parcours et de leurs &oelig;uvres est un pas de plus vers la d&eacute;couverte ou la red&eacute;couverte de films qui ont marqu&eacute; l&rsquo;histoire du cin&eacute;ma international, d&rsquo;Agn&egrave;s Varda &agrave; Christian Petzold en passant par Barbet Schroeder entre autres.

Quand le cinéma parle de cinéma, un monde s’ouvre et nous plonge dans l’âme même du documentaire de création. Quatre films et une collection irrigués par le 7e art sont à découvrir sans tarder.

Faire son cinéma

Outre son important catalogue de films coproduits avec des artistes, institutions et producteurs privés depuis les années 1970, le Centre Pompidou réalise aussi, avec les équipes du service de la production audiovisuelle, des vidéos couvrant les événements organisés par les deux départements du Centre : le Musée national d'art moderne et le Département Culture et création. Ce dernier abrite le service Les Cinémas qui est à l'initiative d'une programmation annuelle ample et foisonnante qui aborde le cinéma dans toutes ses composantes et le présente à travers des dispositifs classiques - festivals, expositions, rétrospectives - ou novateurs, comme peut l'être "Cinéastes en correspondance", une proposition pour découvrir autrement le cinéma, à travers des correspondances filmées échangées entre cinéastes vivant aux quatre coins du monde.
À l'appui de ses rétrospectives intégrales, le service Les Cinémas produit des entretiens filmés avec les cinéastes invités. D'une durée de 15 à 30 minutes, ces vidéos sont captées dans les espaces du Centre Pompidou, souvent dans l'exposition qui accompagne la rétrospective, et constituent au fil du temps des archives d'autant plus précieuses que les cinéastes viennent souvent du bout du monde ou ne sont pas très médiatisés en France. Plus récemment, le service les Cinémas, en association avec Arte, a souhaité passer commande aux cinéastes invités d'un film de forme libre, avec lequel ils répondent à cette question à la fois rétrospective, introspective, et tournée vers l’avenir, leurs désirs et leurs projets : Où en êtes-vous ?, devenu le titre de cette collection qui rassemble une quinzaine de cinéastes.
Cinq vidéos de la série "Où en êtes-vous ?" et six de la série "Cinéastes au Centre" sont présentées sur Les yeux doc. De quoi se familiariser avec Sharunas Bartas ou Christian Petzold, de quoi aussi se faire plaisir en écoutant Agnès Varda se remémorer des souvenirs de son voyage à Cuba en 1962-63.

Tout au long de l’année, le cinéma est chaque jour présent au Centre Pompidou, de la simple séance à la rétrospective, en passant par l’exposition-installation et jusqu’au festival.
Des rendez-vous sont consacrés à la création vidéo, aux films de danse, au cinéma documentaire, au cinéma expérimental et aux films d’artistes.
Le visiteur est invité à voir en salles les films de la collection du Centre Pompidou et à découvrir son patrimoine vidéo, riche de toutes les productions et coproductions réalisées depuis plus de quarante ans.

Découvrir les collections du Centre Pompidou

<h5 class="standfirst">Le 30 mars 2019, deux mois &agrave; peine apr&egrave;s avoir pr&eacute;sent&eacute; une r&eacute;trospective de ses films &agrave; la Cin&eacute;math&egrave;que fran&ccedil;aise, Agn&egrave;s Varda dispara&icirc;t en laissant derri&egrave;re elle plus qu&rsquo;une &oelig;uvre : un monde. Ce parcours compos&eacute; de cinq films est une porte d&rsquo;entr&eacute;e dans son travail profond&eacute;ment humaniste et vivant.</h5>
&Agrave; 90 ans, dont plus de 60 ann&eacute;es travers&eacute;es par le cin&eacute;ma, Agn&egrave;s Varda partageait encore sa passion de l&rsquo;image et du mouvement. Cette r&eacute;alisatrice inclassable, faiseuse et inventrice d&rsquo;un cin&eacute;ma qui bouscule les codes, n&rsquo;a cess&eacute; de composer un univers singulier. C&rsquo;est d&rsquo;abord la photographie qui fonde et continue d&rsquo;habiter son &oelig;uvre. Dans les ann&eacute;es 1950, elle s&rsquo;installe dans des locaux rue Daguerre &agrave; Paris qu&rsquo;elle transforme &agrave; la fois en lieu de vie et de cr&eacute;ation. Puis elle rencontre Jacques Demy, r&eacute;alisateur du c&eacute;l&egrave;bre film Les Parapluies de Cherbourg (1964), avec lequel elle forme un couple jusqu&rsquo;&agrave; sa mort en 1990. Elle alterne les longs m&eacute;trages de fiction et les documentaires auxquels elle se consacre davantage encore dans les ann&eacute;es 2000. Fascin&eacute;e par la vie elle-m&ecirc;me, la cin&eacute;aste vient souligner l&rsquo;absurde en lui donnant du sens. Elle provoque des situations et embarque les spectateurs avec elle car chez Varda, tout est pr&eacute;texte &agrave; la rencontre et &agrave; la po&eacute;sie.
<h5 class="standfirst selection_header">Salut les Cubains (1963)</h5>
&Agrave; l&rsquo;instar d&rsquo;autres artistes de l&rsquo;&eacute;poque, Agn&egrave;s Varda voyage &agrave; Cuba aux d&eacute;buts des ann&eacute;es 1960 et prend des milliers de photographies qui serviront &agrave; la construction de ce film. Le montage rythm&eacute; vient faire &eacute;cho &agrave; la musique. Le film rend compte d&rsquo;une certaine vision de Cuba apr&egrave;s l&rsquo;arriv&eacute;e au pouvoir de Fidel Castro. Au-del&agrave; de ce regard sur l&rsquo;&eacute;poque et de ces archives pr&eacute;cieuses, l&rsquo;int&eacute;r&ecirc;t de ce film est aussi de voir la photo prendre vie. Le regard d&rsquo;Agn&egrave;s Varda nous guide, zoomant ou s&rsquo;arr&ecirc;tant sur des d&eacute;tails. Sa voix et celle de Michel Piccoli viennent donner de l&rsquo;ampleur au r&eacute;cit. Les personnages s&rsquo;animent et font peu &agrave; peu &eacute;merger les multiples visages de Cuba avec ses diff&eacute;rents apports culturels, la r&eacute;volution et les femmes.
<h5 class="standfirst selection_header">R&eacute;ponse de femmes (1975)</h5>
Dans la lign&eacute;e des courts m&eacute;trages militants r&eacute;alis&eacute;s dans les ann&eacute;es 1968 pour contester l&rsquo;ordre &eacute;tabli, Agn&egrave;s Varda signe ce cin&eacute;-tract et met en sc&egrave;ne un texte sur les femmes avec des femmes. &Agrave; l&rsquo;heure de la d&eacute;nonciation d&rsquo;une soci&eacute;t&eacute; patriarcale, regarder ce film rappelle que le combat n&rsquo;est pas r&eacute;cent et qu&rsquo;il reste bien d&rsquo;actualit&eacute;. Notre corps notre sexe, qu&rsquo;est-ce qu&rsquo;&ecirc;tre femme ? La question est donc loin d&rsquo;&ecirc;tre p&eacute;rim&eacute;e. Et derri&egrave;re les mots pos&eacute;s et scand&eacute;s se cache un engagement. Agn&egrave;s Varda propose ce film l&rsquo;ann&eacute;e de promulgation de la loi Veil alors qu&rsquo;elle fut l&rsquo;une des signataires du &ldquo;Manifeste des 343&rdquo; initi&eacute; par Simone de Beauvoir appelant pr&eacute;cis&eacute;ment &agrave; la d&eacute;p&eacute;nalisation de l&rsquo;avortement.
<h5 class="standfirst selection_header">Ulysse (1982)</h5>
Tout part d&rsquo;une photo prise une vingtaine d'ann&eacute;es plus t&ocirc;t sur une plage. On y voit un homme nu de dos, une ch&egrave;vre morte, un enfant. Ce dernier se pr&eacute;nomme Ulysse. La r&eacute;alisatrice part de ce clich&eacute; pour &eacute;voquer des souvenirs et plus encore, le r&ocirc;le de la photographie. Il reste toujours impressionnant de voir comment, &agrave; partir de presque rien, Varda parvient &agrave; nous emmener loin. Ainsi, des personnages, des histoires, des lieux, des parcours, &eacute;mergent de ce film, de rebonds en rebonds.
<h5 class="standfirst selection_header">Les Glaneurs et la glaneuse (2000)</h5>
Le film a beau dater des ann&eacute;es 2000, il vient &eacute;pouser notre &eacute;poque. Si la pratique n&rsquo;est pas r&eacute;cente, glaner et r&eacute;cup&eacute;rer sont aujourd&rsquo;hui devenus des habitudes pour un grand nombre de personnes. Le film, par le biais de rencontres avec une galerie de personnages, questionne &agrave; la fois le gaspillage alimentaire, la solidarit&eacute;, le rapport &agrave; la nature ou &agrave; l&rsquo;art. Jeter d&rsquo;un c&ocirc;t&eacute;, ramasser et redonner vie de l&rsquo;autre, Agn&egrave;s Varda sillonne la France et donne la parole &agrave; ces hommes et ces femmes souvent en marge. Elle se met en sc&egrave;ne, joue avec son sujet donnant un &eacute;lan savoureux &agrave; son film. Une phrase sur ces objets mis au rebut vient &eacute;clairer la pratique et sans doute aussi le regard aigu que porte Agn&egrave;s Varda sur la vie : &ldquo;pour les gens c&rsquo;est un tas de saloperies, pour moi c&rsquo;est une merveille, c&rsquo;est un tas de possibles&rdquo;. Les patates en forme de c&oelig;ur qu&rsquo;elle a pris soin de ramasser et de filmer rappellent que dans ses films, tout entre en r&eacute;sonance avec le regard qu&rsquo;elle pose sur le monde.
<h5 class="standfirst selection_header">Cin&eacute;astes au Centre (2015)</h5>
Il y a un grand plaisir &agrave; entendre Agn&egrave;s Varda parler de son travail. Cet entretien a &eacute;t&eacute; r&eacute;alis&eacute; en 2015 lors de l&rsquo;exposition Salut les Cubains au Centre Pompidou. La femme aux cheveux bicolores parle de son rapport au cin&eacute;ma et &agrave; la photo : &ldquo;J&rsquo;aime beaucoup cet aller-retour de la pens&eacute;e et de l&rsquo;oeil quand on regarde une photographie&rdquo;. Un moment pr&eacute;cieux.

Le 30 mars 2019, deux mois à peine après avoir présenté une rétrospective de ses films à la Cinémathèque française, Agnès Varda disparaît en laissant derrière elle plus qu’une œuvre : un monde.

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